Historia de la Fotografía I
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Historia de la Fotografía I

Siglo XIX y primera mitad del siglo XX
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Created by José M. Ramírez
Last updated 4/2020
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What you'll learn
  • Conocer el origen y evolución de la Fotografía como medio expresivo
  • Entender como se ha formado la tradición fotográfica
  • Conocer el trabajo de los más importantes fotógrafos del siglo XIX, XX y XXI
  • Adquirir una metodología de investigación y análisis del medio fotográfico
Requirements
  • Conocimiento sobre el origen y la evolución de la Fotografía como disciplima creativa y de expresión, desde el siglo XIX hasta mediados del siglo XX
Description

En la formación de un fotógrafo; así como en la de un crítico, curador o amante de la Fotografía;  los aspectos técnicos representan el gran reto inicial, que luego el automatismo permite dejar de lado para concentrarse en el objeto final, que no es otro que la imagen. Hacer una fotografía, lograr una imagen, va mucho más allá de los aspectos instrumentales, implica la asimilación de un lenguaje y luego su acomodo a las necesidades expresivas de cada individuo.


Nadie que aspire a ser fotógrafo puede desconocer la tradición de la que formará parte. Igual que aprendemos a leer para luego escribir, debemos aprender a mirar fotografías para luego hacerlas, incluso imitándolas, hasta que de nosotros vaya surgiendo, fruto de la admiración, envidia, sorpresa o conmoción, ese deseo incontenible de fotografiar y, eventualmente, nuestro propio lenguaje visual.


En este curso no haremos ni una sola fotografía, pero observaremos y analizaremos con devota atención, centenares de imágenes de fotógrafos ejemplares, con un enfoque histórico/cultural.


En paralelo, la evolución de los aspectos instrumentales y formales darán soporte a la comprensión de la Fotografía como medio de expresión y de comunicación, como lenguaje moderno y forma de mirar y reconocer nuestro mundo.

Who this course is for:
  • Fotógrafos, artistas, estudiantes de Fotografía, interesados en la Historia de la Fotografía como medio de expresión
Course content
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+ Pioneros en América
4 lectures 01:31:13

Leer el pequeño ensayo "Breve historia de la Fotografía" de Walter Benjamin puede ser de utilidad para complementar las lecciones que siguen, sobre todo en las secciones 2 y 3. El texto está entre los materiales descargables de esta lección.

Introducción
01:49

Stieglitz nació en Hoboken, New Jersey como el mayor de seis hermanos y creció en la zona este de Manhattan. Su familia se mudó a Alemania en 1881. Al año siguiente, Stieglitz empezó a estudiar ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín y muy pronto cambió estos estudios por los de fotografía. Realizó una serie de viajes por Europa, durante los cuales tomó numerosas fotografías de tema campestre: campesinos trabajando en las costas de los Países Bajos o la naturaleza virgen en el entorno de la Selva Negra alemana. Durante la década de 1880 iría progresivamente ganándose la admiración y el respeto de sus colegas europeos, y obtuvo también numerosos premios.

A lo largo de su vida, Stieglitz se sintió atraído por la compañía de mujeres jóvenes. En 1893, tras su regreso a Nueva York, se casó con Emmeline Obermeyer. Tuvieron una hija, Kitty, en 1898. El dinero de ambas familias les aseguraba una posición desahogada, sin que tuvieran la necesidad de trabajar para vivir. De 1893 a 1896, Stieglitz fue editor de la revista American Amateur Photographer; sin embargo, su modo de trabajar resultaría ser brusco, autocrático, y alienante para muchos suscriptores. Después de verse forzado a renunciar, Stieglitz se interesó por el New York Camera Club y posteriormente convertiría su boletín en una publicación seria y metódica conocida como Camera Notes.

Los grandes clubes fotográficos que por entonces estaban de moda en Estados Unidos no le satisfacían. Por ello, en 1902 organizó un grupo al cual sólo se podía entrar por estricta invitación, y lo llamó Photo-Secession con el objetivo de forzar al mundo del arte a reconocer la fotografía "como un medio distintivo de expresión individual". Entre sus miembros se encontraban Edward Steichen, Gertrude Kasebier, Clarence H. White, y Alvin Langdon Coburn. Photo-Secession llevó a cabo sus propias exposiciones y publicó Camera Work, una prestigiosa revista fotográfica, entre 1902 y 1917.

De 1905 a 1917, Stieglitz dirigió las Little Galleries of the Photo-Secession en el 291 de la Quinta Avenida (que terminaron por conocer como la 291 por el número de la calle en el que se encontraban). En 1910, a Stieglitz se le invitó a realizar una exposición en Buffalo, Nueva York; en la Albright Art Gallery que alcanzó récords de visitantes. Insistía en el hecho de que las fotografías parecieran fotografías, de modo que su realismo permitiera a la pintura una mayor abstracción. Este cambio hacia el arte abstracto mistificaría a los suscriptores de Camera Work y al público que acudía a las galerías.

Stieglitz se divorció de su mujer Emmeline en 1918, poco después de que ella le echara de la casa de ambos al sorprenderle mientras fotografiaba a la artista Georgia O'Keeffe, con quien se mudaría algo más adelante. Se casaron en 1924 y a ambos les sonrió el éxito, a él como fotógrafo (tomaría cientos de instantáneas de O'Keeffe a lo largo de su vida), y a ella como pintora. Ambos alcanzaron gran notoriedad por sus exposiciones en la sala 291. Sin embargo, su matrimonio se desgastan debido a la precaria salud de Stieglitz (sufría del corazón) y a su hipocondría, que obligaba a la pintora a cuidarle de modo constante. Alrededor de la década de 1930, Georgia O'Keeffe solía pasar unos seis meses en Nuevo México para alejarse de su marido.

En esa misma década de 1930, Stieglitz tomó una serie de fotografías, incluidos algunos desnudos, de la heredera Dorothy Norman, que de este modo pasaría a ser una seria rival para O'Keeffe en el afecto de Stieglitz. Tanto estas fotos como aquellas en las que aparece O'Keeffe se reconocen como frecuencia como uno de los primeros ejemplos en los que se explora el potencial de fragmentos aislados del cuerpo humano mediante la fotografía. En estos años, Stieglitz también presidió dos galerías no comerciales de Nueva York, The Intimate Gallery y An American Place.

El trabajo fotográfico de Stieglitz terminaría en 1937 debido a su enfermedad cardiaca. Durante los diez últimos años de su vida, veraneaba en el Lago George de Nueva York trabajando en un cobertizo que había convertido en un cuarto oscuro, y pasaba los inviernos con O'Keeffe en el Shelton de Manhattan, el primer hotel rascacielos de la ciudad. Murió en 1946 a la edad de 82 años, siendo todavía un firme apoyo para O'Keeffe, como lo fue siempre ella para él.

Preview 33:42

Gertrude Stanton, más conocida por el apellido de su esposo, Edward Käsebier, fue una artista estadounidense, que se inició tardíamente en la fotografía profesional, iniciando estudios de arte a los 37 años. Estudió dibujo y grabado, pero se dedicó tempranamente a la fotografía. Comenzó en la década de 1890 a realizar ocasionalmente fotografías a sus 3 hijos. En 1894 pasó varios meses en Europa (Alemania y Francia) estudiando química de la fotografía, y pintura. En 1895, de regreso en Brooklyn con su familia, se decidió a trabajar profesionalmente en fotografía, y un año después comenzó como asistente en el estudio de Samuel H. Lifshey, en parte para ayudar a la economía familiar debilitada por una enfermedad de su marido. En 1896 exhibió 150 fotografías en el Boston Camera Club, lo cual representa una enorme producción para un artista de su época, y particularmente para una mujer. Gertrude Käsebier es conocida también por estimular la participación de las mujeres en la fotografía:

"Sinceramente aliento a las mujeres con intereses artísticos a aprender el poco trabajado campo de la fotografía moderna. Parece estar especialmente adaptado a ellas, y las pocas que han entrado en él están encontrando un gratificante y lucrativo éxito".1​

Su trabajo como retratista obtuvo rápido reconocimiento y en 1898 se le dedicó una exposición en el New Yorker Camera Club. En 1902 fue convocada por Alfred Stieglitz a formar parte del exclusivo grupo de artistas fotógrafos Photo-Secession. Desde 1903 la publicación Camera Work, que editaba el mismo Stieglitz publicó varias de sus fotografías, y en el primer número le dedicaba un artículo titulado "Gertrude Käsebier, professional photographer", escrito por Frances Benjamin Johnston, en el cual se caracterizaba su trabajo de este modo:

Los retratos de Mrs. Käsebier no son siempre muy buenos ni tampoco siempre agradables, pero no son nunca insinceros y ella nunca falla en poner el sello de su propia individualidad incluso sobre el más común y poco interesante de sus retratados.2​

Su fotografía titulada "El nacimiento" se vendió en 1899 por 100 dólares, siendo éste el mayor precio que hasta el momento se hubiera pagado por una fotografía artística.3​

Su trabajo representa cierto desplazamiento del pictorialismo al estilo europeo, ya sea por la preferencia ocasional por imágenes nítidas, o bien por la elección de temáticas vinculadas a su experiencia cotidiana, alejadas tanto pretensiones de trascendencia como del imaginario pictórico profusamente citado por sus colegas pictorialistas.

En 1906, luego de crecientes desavenencias ideológicas con Alfred Stieglitz, Gertrude Käsebier se unió a la asociación Professional Photographers of New York, una reciente organización que representaba a los fotógrafos profesionales, alejados de las preocupaciones artísticas que caracterizaban a Photo-Secession. Käsebier fue la primera integrante en renunciar a Photo-Secession en 1912, debido a prácticas comerciales poco respetuosas de Stieglitz respecto de las obras que éste solía vender.

En 1916, Gertrude Käsebier ayudó a Clarence White a formar el grupo Pictorial Photographers of America, que fue visto por Stieglitz como un abierto desafío al liderazgo artístico que él representaba a través de Photo-Secession.

En 1929 Käsebier dejó la fotografía y desarmó su estudio. Ese mismo año el Brooklyn Institute of Arts and Sciences le dedicó una gran exhibición individual.

Murió el 12 de octubre de 1934.

Gertudre Kasebier
26:30

Paul Strand comenzó su carrera como fotógrafo a los 18 años mientras era estudiante de la "Ethical Cultura High School". Su devoción a la fotografía fue determinada por su pronta asociación con Alfred Stieglitz y los fotógrafos que exhibieron en la "Galería 291”.

En 1921 empezó también a hacer cine, sus películas: “Mannahatta” de 1921, “Redes” de 1934, “The Plow that broke the plans” de 1935, “Heart of Spain” de 1940 y “Native Land” de 1942 son ahora reconocidas como clásicos del cine.

En 1945 el Museo de Arte Moderno le dedica su primera exhibición individual como fotógrafo. Dos años más tarde colabora con Nancy Newhall en un proyecto publicado como “Time in New England” el primer libro fotográfico innovador de Strand. Este fue el primero de una serie de libros en los que el texto y las fotografías interactúan, se hacían uno, plasmaban un lugar, sus gentes, hogares, paisajes. Le siguieron “La France de Profil”, “Un Paese” en colaboración con el escritor Cesare Zavattini, “Tir a´Mhurain”, “Living Egypt”, y “Ghana: An African Portrait”.

En 1967 Strand gana el premio “David Octavius Hill”. En 1971 sus obras más significativas se exponen en los mejores museos de América y hacen un tour por Europa. Su trabajo está representado en museos y colecciones privadas de todo el mundo.

Paul Strand murió en Orgeval, Francia, el 31 de marzo de 1976 con 85 años, ese año completó dos portafolios de impresiones originales: “On my Doorstep” y “The Garden”, publicados en 1976, y aprobó impresiones para dos portafolios adicionales publicados seguidamente.

Paul Strand
29:12
Pioneros en América
3 questions
+ Pioneros en Europa
5 lectures 01:49:50
Introducción
01:33

Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire. Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.

Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto –mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados–, como elementos principales de la fotografía.

Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Ha habido un largo debate científico sobre si copiaba/imitaba la pintura, aunque parece que finalmente se ha acabado con la polémica al reconocer que, si bien es cierto que Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado, razón por la cual se prescinde de adornos superfluos. En aras del realismo, desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque, buscando con ello una mayor claridad.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858,1​ realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestaticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en hacer fotografías con luz artificial, consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

Está enterrado en el Cementerio de Père-Lachaise en París.

Nadar
27:07

Atget inicia estudios de arte dramático en París, los que no logra concluir. Sin embargo, con esa experiencia trabaja durante más de 10 años como actor de provincias, sin conseguir obtener más que papeles secundarios. Desvinculado de la compañía teatral, decide establecerse en París donde se inicia como pintor, sin lograr repercusión alguna de su obra. Resuelve entonces, rondando los 40 años, dedicarse a la fotografía, abriendo un pequeño estudio. Originalmente ofrecía fotografías de paisajes pintorescos para artistas.

Además de los "Documentos para artistas", Atget se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear lo que sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX, especialmente de aquellas zonas, oficios o modos de existir urbanos en desaparición, luego de las reformas que sufriera la ciudad desde mediados del siglo XIX, por iniciativa del barón Haussmann. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistente de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Atget en 1927.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las vidrieras, una visión que sugiere algo fantasmal. Aunque las fotografías de Atget son tomas directas, y no participan de las búsquedas experimentales de las vanguardias, los surrealistas reconocieron en la obra de Atget un precursor de su estética, especialmente de la práctica del "objeto encontrado".

Las fotos de Atget fascinaron a estos artistas surrealistas por su capacidad intuitiva para registrar los objetos familiares y aislarlos de sus relaciones lógicas con el entorno, descontextualizando y desactivando sus funciones cotidianas, y dándoles así un nuevo carácter significante. Por ejemplo, la exhibición ordenadamente repetitiva de la mercancía dispuesta en mostradores o en escaparates será un tema recurrente en Atget, y se va a convertir también en un motivo inspirador para el imaginario surrealista. La fotografía directa, sin manipulación alguna, posee intrínsecamente todas las condiciones necesarias para subvertir mágicamente las relaciones entre las cosas reales y convertirlas en imágenes surreales. En consecuencia, Atget se va a convertir en un precursor involuntario del surrealismo, puesto que se ocupó de rescatar los objetos de la calle para transformarlos en fantasmagorías revelándose en mitad de lo cotidiano. Esta estética del objet trouvé, en tanto que hallazgos inesperados, será una de las máximas de la fotografía y también de la práctica surrealista de entreguerras. No es extraño por tanto que la obra de Atget influyera tanto sobre la estética surrealista.1​

La fotografía "El eclipse" (1911) de Atget se publicó en la portada del N° 7 de la revista La Révolution Surrealiste. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria. En Estados Unidos está considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80. La Bibliothèque nationale de France (París) ofreció una retrospectiva de Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de julio del 2007.

Eugene Atget
24:33

Brassaï, pseudónimo de Gyula Halász (1899 - 1984), fue un fotógrafo húngaro conocido por sus trabajos sobre París, ciudad donde desarrolló su carrera.

Gyula Halász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brașov (Brassó, en húngaro) entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Universidad de las Artes de Berlín.

En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert.

El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el seudónimo de "Brassaï", que significa "de Brașov". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en diciembre de 1932. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.

En 1956, su película Tant qu'il aura des bêtes ganó el premio a la película más original en el Festival de Cannes y el 1978 ganó el Gran Premio Nacional de la Fotografía francés.

Considerado por muchos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, Gyula Halász murió el 8 de julio de 1984 en Èze (Alpes-Maritimes), al sur de Francia y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París.

En 2000, una exposición de 450 de sus obras fue organizada con la ayuda de su viuda, Gilberte, en el centro Georges Pompidou de París.

Brassai
23:15

Man Ray empezó a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín en el Odeón.

En Nueva York trabajó como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asistía a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.

En 1908 se casó con Adon Lacroix, una poetisa belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el movimiento dadá neoyorquino.

En 1918 trabajó con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).

En 1921 se instala en París, donde vivirá hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino. Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs (rayogramas) de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.

Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como Object to be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de destrucción. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente Objeto indestructible, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924).

En 1929, filma principalmente en la Villa Noailles su cortometraje Les Mystères du Château de Dé.

En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayogramas. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como La estrella de mar (1927). En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1940, escapando de la ocupación nazi de París (1940-1944), se instala en Hollywood y en Nueva York. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor. En 1946 se casó con Juliette Browner, en una doble boda junto con la pareja de Max Ernst y Dorothea Tanning.1​

La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero del dadá y del surrealismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte», dirá.

Regresó a Francia en 1951. En 1963 publicó su Autobiografía. En 1973, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica. Muere el 18 de noviembre de 1976, en París, a los 86 años. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.

Man Ray
33:22
Pioneros en Europa
4 questions
+ Inicios del documentalismo
4 lectures 01:10:06
Introducción
01:51

Evans nació en 1903 en San Luis (Misuri), en una familia de clase media: su padre era empleado en una agencia publicitaria. Tras graduarse en literatura en la Phillips Academy en Andover (Massachusets), estudió en el Williams College1​ entre 1922 y 1923. Su inquietud literaria le llevó a soñar con el peregrinaje obligado de todo intelectual en la década de 1920: vivir en París. En 1926 se inscribió en La Sorbona para proseguir con sus estudios en materia de literatura e idiomas, con el propósito de convertirse en escritor.2​

En 1928, al regresar a Nueva York, se interesó por el mundo de la fotografía como medio para captar la realidad cotidiana por sus similitudes con la poesía. Utilizaba una cámara de 6x12, que sustituyó al poco tiempo por una de 15x20, con la que recorrió algunas ciudades de Estados Unidos junto al intelectual y mecenas Lincoln Kirstein.

En 1933 llevó a cabo una serie de fotografías que sirvieron para ilustrar la obra The crime of Cuba, un libro del periodista Carleton Beals en el que se denunciaba la situación de la isla durante el mandato de Gerardo Machado y Morales.

Durante la Gran Depresión, entre 1935 y 1936, trabajó principalmente en el sur para la Farm Security Administration (FSA), dejando constancia de la precaria y dura situación que sufrían granjeros y aparceros, con la idea de demostrar que las zonas rurales pobres necesitaban ayuda gubernamental. Se involucró profundamente en ello, llegando a convivir, junto a James Agee, con una familia de aparceros durante seis semanas para conocer de primera mano su situación.

En el año 1938 el MOMA de Nueva York le dedicó su primera exposición monográfica sobre fotos arquitectónicas.

Obtuvo una beca de la Fundación John Simon Guggenheim en 1940. En el año 1941, Evans y Agee publicaron conjuntamente Elogiemos ahora a hombres famosos, una poética pero fría interpretación de la visión de los aparceros del sur, ricamente documentada con fotografías y textos.

Se incorporó a la revista Time en 1945 y a la revista Fortune en 1965. Entre los años 1945 a 1965, como editor asociado de la revista Fortune, llevó a cabo ensayos fotográficos sobre diferentes temas. Entre ellos: El metro de Nueva York, Ciudades fantasmas del oeste americano e Iglesias antiguas, cuyos resultados se publicaron conjuntamente en el año 1966 en un libro titulado Many are called.

Desde 1965, y hasta su muerte en 1975, ejerció como profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale, donde llegó a obtener una cátedra. Sus fotos destacan por su humanidad y su realismo. En sus trabajos sobre edificios e interiores está siempre presente el hombre.

Walker Evans
30:12

Frank nació en una rica familia judía en Suiza. Rosa, la madre de Frank, era de ascendencia judía, pero su padre Hermann, había sido apátrida después de la Primera Guerra Mundial y tuvo que pedir la ciudadanía suiza para Frank y su hermano mayor, Manfred. Aunque Frank y su familia permanecieron seguros en Suiza durante la Segunda Guerra Mundial, la amenaza nazi sin embargo afectó su comprensión sobre la opresión. Se inclinó por la fotografía en parte como una forma de escapar a la tradición de los negocios familiares, siendo entrenado por algunos fotógrafos y diseñadores gráficos antes de crear su primer libro de fotografías en 1946, 40 Fotos. Frank emigró a los Estados Unidos en el 1947, y obtuvo un empleo en la Ciudad de Nueva York como fotógrafo de moda para Harper's Bazaar. Poco después comenzó a viajar por América del Sur y Europa. Publicó dos libros más de fotografías tomadas en Perú, y volvió a los EE.UU. en 1950. Ese año fue uno trascendental para Frank, quien después de haber conocido a Edward Steichen, participó en la exposición colectiva 51 American Photographers en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA); además se casó con una compañera artista, pintora, Mary Lockspeiser, con la que tuvo dos hijos, Andrea y Pablo.

Aunque en un principio era optimista acerca de los Estados Unidos, su perspectiva cambió rápidamente cuando enfrentó el paso rápido de la vida estadounidense y lo que él veía como un énfasis excesivo en el dinero. Desde entonces, comenzó a ver los Estados Unidos como un lugar a menudo triste y solitario, una perspectiva que se volvió evidente en sus posteriores trabajos fotográficos. La propia insatisfacción de Frank con el control excesivo que ejercían sus editores sobre su trabajo también fue un factor determinante en su experiencia. Continuó viajando, moviendo a su familia temporalmente a París. En 1953 retornó a Nueva York y continuó trabajando como periodista fotográfico independiente para revistas como McCall'sVogue, y Fortune.

The Americans

Con ayuda del artista que más influyó sobre su persona, el fotógrafo Walker Evans, Frank recibió un permiso especial de la Fundación John Simon Guggenheim en 1955 para viajar a través de los Estados Unidos y fotografiar la sociedad en todos los estratos. Llevó a su familia con él en una serie de viajes de carretera durante los dos años subsiguientes, en los que tomó unas 28.000 fotografías. Solo 83 de estas fueron seleccionadas por él para ser publicadas en The Americans. El recorrido de Frank no transcurrió sin incidentes. Mientras conducía a Arkansas, Frank fue puesto en prisión de forma arbitraria después de haber sido detenido por un policía en alguna parte del Profundo Sur, un comisario le indicó que tenía una hora para dejar la ciudad. El vehículo no poseía el título adecuado y Frank fue arrestado por un periodo corto de tiempo por posesión de un automóvil robado.1​

Poco después de haber regresado a Nueva York en 1957, Frank conoció en una fiesta al escritor de la generación Beat, Jack Kerouac, a quien le mostró algunas de las fotografías tomadas en sus viajes. Kerouac le dijo inmediatamente a Frank "Seguro que puedo escribir algo acerca de estas fotos", contribuyendo posteriormente a la introducción de la edición estadounidense de The Americans. Frank también se hizo amigo de Allen Ginsberg, y fue uno de los principales artistas en documentar la subcultura Beat, que iba de la mano con el interés de Frank en documentar el contraste entre el optimismo reinante en los años 1950 y las diferencias raciales y de clases en la sociedad estadounidense. La ironía que veía Frank en la cultura estadounidense influyó sin duda en su técnica fotográfica, marcando un claro contraste en comparación con la mayoría de los fotoperiodistas contemporáneos, visible en su estilo inusual de enfoque y el uso de luz baja, entre otras características que se desviaban de las técnicas de fotografía aceptadas.

Estas diferencias con los estándares contemporáneos de fotografía le dificultaron a Frank en un inicio ser publicado en los Estados Unidos. Les Americains fue publicado por primera vez en 1958 por Robert Delpire en París, y posteriormente en 1959 en los Estados Unidos por Grove Press, en donde recibió críticas sustanciales en un principio. Popular Photography, por ejemplo, clasificó sus imágenes de "considerablemente opacas, porosas, exposiciones turbias, horizontes distorsionados y en general descuidadas." Aunque las ventas en un comienzo fueron bajas, la introducción de Kerouac ayudó a elevarlas en gran parte por la popularidad que representaba el fenómeno Beat en ese entonces. Con el paso del tiempo y mediante la inspiración a artistas posteriores, The Americans se convirtió en un trabajo representativo dentro de la fotografía y la historia del arte estadounidense, siendo a su vez el trabajo con que Frank más se identifica. En 1961, Frank presentó su primera exposición individual titulada Robert Frank: Photographer, en el Art Institute of Chicago. También se presentó en el MOMA en Nueva York en 1962.

Está disponible en castellano, editado por La Fábrica, bajo el nombre de "Los Americanos".

Cine

Para ese entonces, sin embargo, Frank se había movido de la fotografía para concentrarse en la realización de películas. Entre estas se encontraba Pull My Daisy de 1959, la cual fue escrita y narrada por Kerouac y protagonizada por Ginsberg y otros dentro del círculo Beat. Pull My Daisy fue elogiada por años como una obra maestra de la improvisación, hasta que el co-director de Frank, Alfred Leslie, revelara el 28 de noviembre de 1968 en un artículo de Village Voice que la película de hecho fue cuidadosamente planeada, ensayada y dirigida por él y Frank, quienes filmaron la película con un set profesional de luces.

En 1960, Frank permaneció en el sótano del artista Fluxus George Segal mientras filmaba Sin of Jesus con una concesión de Walter K. Gutman. La historia de Isaac Singer fue transformada para centrarse en la vida de una joven que trabajaba en una granja de pollos en Nueva Jersey. La película estaba supuesta a ser filmada en seis semanas en New Brunswick y sus alrededores, pero Frank terminó filmando durante seis meses.

Su documental de 1972 sobre los Rolling Stones, Cocksucker Blues, es considerado su mejor filme conocido. El filme muestra a los Stones durante su gira del 1972, envueltos en el uso de drogas y el sexo en grupo. Pero quizás lo que más perturbó a los Stones cuando vieron el producto final, fue la manera franca en que Frank capturó fielmente la soledad y desesperación de la vida en la calle. Mick Jagger le indicó a Frank: 《Es una jodida buena película, Robert, pero si se muestra en América nunca más nos permitirán entrar en el país》. Los Rolling Stones demandaron para impedir que el filme fuera lanzado, y se discutió si los derechos de autor sobre el material filmado recaen sobre Frank o sobre la banda. La corte resolvió la disputa restringiendo la exhibición del filme a ser mostrado no más de 5 veces al año y solo en presencia de Frank. La fotografía de Frank también apareció en la carátula del álbum Exile on Main St. de los Rolling Stones.

Otras películas realizadas por Frank incluyen Keep Busy y Candy Mountain, ambas co-dirigidas junto a Rudy Wurlitzer.

Aunque Frank se mantuvo interesado en el cine, retomó la fotografía en los años 1970 con la publicación de su segundo libro fotográfico, Lines of My Hand, en 1972. Este trabajo ha sido descrito como una "autobiografía visual" y consiste en su mayoría de fotografías personales. Ninguno de sus trabajos posteriores ha tenido tanta notoriedad como la conseguida con The Americans. Algunos críticos aluden a esto por las incorporaciones posteriores de imágenes compuestas en sus trabajos, una década después de que Robert Rauschenberg introdujera sus composiciones serigráficas y en contraste con The Americans, las imágenes posteriores de Frank simplemente no iban acorde con las técnicas y prácticas establecidas para ese tiempo.

Frank y Mary se separaron en 1969. Se volvió a casar en 1971 con la escultora June Leaf, moviéndose luego a la comunidad de Mabou en Cape Breton Island, Nueva Escocia. En 1974 la tragedia le tocó cuando su hija Andrea murió en un accidente aéreo en Tikal, Guatemala. Un poco antes, su hijo Pablo, fue hospitalizado y diagnosticado con esquizofrenia. Muchos de los trabajos subsiguientes de Frank mostraban el impacto que había tenido en su vida la pérdida de su hija y la batalla continua de su hijo con su enfermedad mental. En 1995 fundó la Fundación Andrea Frank que proporciona préstamos a artistas.

Desde que se movió a Nueva Escocia, Frank adquirió una reputación de hombre solitario y reclusivo (particularmente tras la muerte de su hija), rechazando la mayoría de las propuestas para entrevistas y apariciones públicas. Ha continuado aceptando asignaciones eclécticas como fotógrafo y director de vídeos musicales para artistas como New Order y Patti Smith. Frank continúa realizando filmes así como imágenes, y ha ayudado a organizar varias retrospectivas de su arte. En 1994, la Galería Nacional de Arte de Washington, presentó la exposición retrospectiva más abarcadora de su trabajo hasta la fecha, con el nombre de Moving Out. Actualmente es representado por la Galería Pace/MacGill en Nueva York. En 2007 Robert Frank recibe el premio PHotoEspaña Baume et Mercier de las manos del presidente del Festival Alberto Anaut. PHotoEspaña reconoció la trayectoria de este gran fotógrafo.

Robert Frank
19:21

Nació en Detroit, Míchigan y comenzó a fotografiar en 1938 de manera autodidacta. Durante esa década trabajó para el laboratorio fotográfico de General Motors en Detroit. Sobre 1946, recibió el apoyo de László Moholy-Nagy para enseñar fotografía en el Instituto de diseño de Chicago. Callahan se retiró en 1977, cuando daba clases en la escuela de diseño de Rhode Island.

Su hija Bárbara nació en 1950. Incluso antes de su nacimiento ya aparecía en las fotografías del embarazo de Eleanor, esposa del fotógrafo. Entre 1948 y 1953 Eleanor (y a veces Barbara) aparecían en las fotos de paisajes como contrapunto a las grandes extensiones de los parques, línea del cielo o el mar.

Tomó fotografías de su esposa Eleanor, y de su hija Bárbara así como de las calles, las escenas y los edificios de las ciudades donde vivió, mostrando un fuerte sentido de la línea y la forma, de la luz y la oscuridad. Trabajó con exposiciones múltiples y otras técnicas como dobles y triples exposiciones, desenfoques y película de pequeño o gran formato. El trabajo de Callahan fue una respuesta muy personal a su propia vida: Era muy conocido por animar a sus estudiantes a convertir sus cámaras en sus vidas, y él mismo daba ejemplo con su vida. Callahan fotografió a su esposa, como tema principal, durante un período de quince años. Eleanor fue esencial para su creación artística desde 1947 hasta 1960. La fotografió en todas partes: En el hogar, en las calles de la ciudad, en paisajes, sola o con su hija, en color o blanco y negro, en desnudos...

Murió en Atlanta en 1999 dejando alrededor de 100.000 negativos y más de 10.000 pruebas de impresión. El Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona, que de manera activa colecciona, preserva y pone a disposición de los ciudadanos la obra de fotógrafos norteamericanos del Siglo XX, conserva su archivo fotográfico.

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Inicios del documentalismo
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+ Nueva objetividad y Constructivismo
4 lectures 01:23:18
Introducción
01:55

Bernd y Hilla se conocieron como estudiantes de pintura en la Universidad de Düsseldorf, y se unieron en matrimonio en el año 1961. Su primera colaboración en fotografía fue en 1959 documentando la desaparecida arquitectura industrial. Su primera exposición fue en el año 1963 en la Galería Ruth Nohl (Siegen). Su trabajo mostraba la fascinación de ambos por la similitud con la que habían sido creados ciertos edificios. Las fotografías fueron realizadas desde diferentes puntos de vista con una cámara de gran formato, pero siempre en un plano perpendicular al objeto que retrataban. Las imágenes de los edificios con idéntica función fueron mostradas juntas invitando al público a comparar las formas y diseños. Estos edificios eran principalmente graneros, torres de agua, Silos de almacenamiento, castilletes de extracción o altos hornos.

Los Bechers fotografían estas series de edificios industriales siguiendo unas pautas muy definidas. Durante más de 50 años han recorrido plantas industriales de Alemania, Inglaterra, Bélgica, Francia o EE.UU. Todo su trabajo es en blanco y negro. Ellos mismos cuentan que en el momento en el que aparecieron las primeras películas en color hicieron algunas pruebas sin convencerles lo más mínimo: “al fotografiar en color se extrae un tono que realmente no existe. El carácter escultural se presenta mejor con la utilización del blanco y negro”. Para tomar sus imágenes suelen situar una cámara en un punto elevado y luego con una luz difusa (para no crear sombras) dejan abierto el objetivo durante un largo tiempo de exposición, de esa forma no aparece la figura humana.

Su rigor llega a ser tan obsesivo que le transfiere a sus escenas un carácter científico. Esto último es lo que creó cierta polémica sobre su rígida estética, que en principio solo fue valorado por ingenieros y arquitectos. Es justamente este rigor, el que, cuando visto no aisladamente sino una imagen detrás de otra, cuando constituyen su verdadero valor, como "una lección de anatomía", consiguiendo obtener una abstracción realmente novedosa para la fotografía contemporánea.

Desde 1976 hasta 1996 Bernd ha sido profesor en Academia de Bellas Artes de Düsseldorf. Han recibido numerosos premios, entre otros el León de Oro en la Bienal de Venecia de 1990, el Premio Erasmus en 2002, o el premio Hasselblad en el año 2004. Bernd enseña en la Academia de Arte de Düsseldorf y ha influenciado a numerosos estudiantes que harían más tarde fotografía industrial. Entre ellos encontramos a Andreas Gursky, Thomas Ruff, y Candida Höfer.

Bernd y Hilla Becher
14:37

Hijo de un carpintero que trabaja en una mina, es ahí donde Sander aprende los primeros rudimentos de la fotografía, ayudando a un fotógrafo que trabaja para la empresa minera. Con el apoyo económico de su tío, compra un equipo fotográfico y construye un cuarto oscuro. Realiza su servicio militar entre 1897 y 1899 como asistente del fotógrafo; los años siguientes, viaja a través del Imperio Alemán.

Portada de August Sander: Citizens of the Twentieth Century. Portrait photographs 1892-1952.1​

En 1901 comienza a trabajar para un estudio fotográfico en Linz, convirtiéndose en su primer socio en 1902 y, a continuación, en su único propietario. En 1909 se marcha y abre un nuevo estudio en Colonia.

En la década de 1910, Sander comienza un catálogo de la sociedad contemporánea alemana a través de una serie de retratos: se trata de su proyecto Hombres del siglo XX (Menschen des 20. Jahrhunderts).2​ En los primeros años 1920, el fotógrafo se suma al Grupo de Artistas Progresistas de Colonia (Kölner Progressive). En 1927, junto con el escritor Ludwing Matha, viaja a Cerdeña durante tres meses, haciendo alrededor de 500 fotografías; sin embargo, su detallado diario de estos viajes nunca se completará.

Sander publica en 1929 su primer libro, El rostro de nuestro tiempo (Antlitz der Zeit): contiene una selección de 60 retratos del proyecto Hombres del siglo XX.

Con la llegada de los nazis al poder en 1933, su trabajo y su vida personal se ven gravemente afectados. Su hijo Erich, miembro del Partido de los Trabajadores Socialistas de Alemania (Sozialistische Arbeiterpartei Deutschlands), es detenido en 1934 y condenado a 10 años de cárcel (fallecerá en 1944,3​ poco antes de la finalización de su condena y del final de la guerra).

El libro El rostro de nuestro tiempo es incautado en 1936 por los nazis y las placas destruidas. Durante la década siguiente, Sander se dedica principalmente a fotografiar la naturaleza y el paisaje. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial, se traslada de Colonia a una zona rural. Su estudio es destruido en 1944 durante un bombardeo.

Aparte de un trabajo iniciado en 1946 sobre los estragos de la guerra en Colonia, Sander deja prácticamente de ejercer como fotógrafo tras la Segunda Guerra Mundial. Fallece en Colonia en 1964, tres años después de haber recibido el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

August Sander
32:03

Ródchenko nació en San Petersburgo en el seno de una familia obrera. Su familia se mudó a Kazán en torno a 1905. Luego estudió en la Escuela de Arte de Kazán donde impartían clase Nikolái Feichin y Georgui Medvédev, y también en el Instituto Stróganov (en:Stroganov Moscow State University of Arts and Industry) de Moscú. Ródchenko hizo sus primeros dibujos abstractos, influido por el Suprematismo de Kazimir Malévich, en 1915. Al siguiente año, participó en "The Store", exhibición organizada por Vladímir Tatlin, quien ejerció una gran influencia en su desarrollo como artista.

Ródchenko, como muchos miembros de la vanguardia rusa, se alinearon con los bolcheviques, que lo nombraron Director de la Oficina del Museo y del Fondo de compras en 1920. Fue el responsable de la reorganización de las escuelas de arte y de los museos. Entre 1920 y 1930 también impartió clases en los Talleres/Instituto de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica (Vjutemás/Vjuteín).

Entre los años 1923 y 1925, Ródchenko junto a Vladímir Mayakovski creó lo que hoy conoceríamos como una agencia de publicidad, llamada Mayakovski-Ródchenko Advertising-Constructor. Crearon más de 150 piezas publicitarias, packaging y diseños. En esta sociedad publicitaria, era Ródchenko el encargado del diseño gráfico, mientras que Mayakovski creaba eslóganes breves y muy directos.1​

Ródchenko volvió a pintar a finales de 1930 y paró de fotografiar en 1942, produciendo cuadros expresionistas abstractos en los años 40. Él continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante estos años. Murió en Moscú en 1956.

De 1918 a 1921, Ródchenko, bajo influencia de Malévich y Tatlin, creaba series de premisas formales, como la superficie plana, la factura, la línea, la mancha, y también bajo el influjo de la revolución bolchevique, pues su obra tenía como objetivo una sociedad ordenada.

Ródchenko se hace famoso en los debates artísticos, de donde surge el Movimiento Constructivista, el artista se convierte en un ingeniero visual.

La nueva política económica provocó que la avant-garde perdiera el privilegio artístico, teniendo que competir contra otros grupos artísticos. En 1923, deciden afrontar esta pérdida de privilegio fundando el Frente de Izquierda del Arte, también llamado LEF (Lévyi Front Iskusstv). Ródchenko contribuyó en este grupo tanto teóricamente (escribiendo artículos), como prácticamente (realizando portadas para las revistas del grupo).

Ródchenko exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura y que se beneficiaba de su reproducción automática que le hacía tener una audiencia masiva. Fue en 1924, al emplear materiales cada vez más peculiares para sus fotomontajes cuando recurrió al empleo de la cámara fotográfica.

En el campo de la fotografía, Ródchenko fue también célebre. Como la cámara permitía tomar fotos en cualquier posición, dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo humano. De esta forma usó la cámara fotográfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografías con un objetivo de compromiso social. Formalmente, las fotografías solían ser o planos cenitales o planos nadir, planos opuestos totalmente al pictorialismo que impactaban al espectador y que le causaban dificultades para reconocer el objeto fotografiado. Fue así como Ródchenko se propuso liberar a la fotografía de todas las convenciones y puntos de vista comunes en la época, lo que le convirtió en uno de los más importantes pioneros del constructivismo fotográfico.

"Si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario mostrarle los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas; los objetos nuevos deberían ser fotografiados desde diferentes ángulos, para ofrecer una representación completa del objeto". En 1928 Ródchenko escribió sobre la fotografía un manifiesto en el que dijo esas palabras, justificando por tanto el uso de esos planos tan poco usuales. Estos planos fueron hechos gracias a la cámara Leica, que tenía un formato muy manejable para esos puntos de vistas tan difíciles de ejecutar.

Tuvo varias etapas fotográficas, desde la etapa del abstracto (etapa en la que llegó a la fotografía no figurativa), hasta etapas en las que fotografiaba actividades deportivas, paisajes o coreografías. Fundó un grupo llamado "Octubre", del que formaban parte fotógrafos y artistas del cine. También trabajó en la revista "SSR na stroike", fundada junto a su esposa Varvara Stepánova.

Alexander Rodchenko
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Nueva objetividad y Constructivismo
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+ Retrato, moda y figura humana
4 lectures 01:35:00
Introducción
01:06

Penn nació en una familia judía rusa el 16 de junio de 1917 en Plainfield, Nueva Jersey, a Harry Penn y Sonia Greenberg. El hermano menor de Penn, Arthur Penn, nació en 1922 y se convertiría en director y productor de cine. Penn asistió a la Escuela de Arte Industrial del Museo de Filadelfia (ahora Universidad de las Artes) de 1934 a 1938, donde estudió dibujo, pintura, gráfica y artes industriales con Alexey Brodovitch. Mientras era estudiante, Penn trabajó bajo Brodovitch en Harper's Bazaar, que publicó varios de los dibujos de Penn.

Penn trabajó durante dos años como diseñador independiente y realizó sus primeras fotografías de aficionado antes de ocupar el puesto de Brodovitch como director de arte en Saks Fifth Avenue en 1940. Penn permaneció en Saks Fifth Avenue durante un año antes de pasar un año pintando y tomando fotografías en México y en todo Estados Unidos. Cuando Penn regresó a Nueva York, Alexander Liberman le ofreció un puesto como asociado en el Departamento de Arte de la revista Vogue. Penn trabajó en el diseño de la revista antes de que Liberman le pidiera que probara la fotografía.

La primera portada fotográfica de Penn para la revista Vogue apareció en octubre de 1943. El departamento de arte de la Oficina de Información sobre la Guerra en Londres le ofreció un trabajo como "artista-fotógrafo", pero se ofreció como voluntario en el American Field Service. Después de llegar a Nápoles con un bote de tropas estadounidenses en noviembre de 1944, Penn condujo una ambulancia en apoyo del Octavo Ejército británico mientras esperaba el clima y avanzaba hacia el norte a través de un miserable invierno en los Apeninos italianos. En julio de 1945, fue trasladado de Italia a la India. Fotografió a los soldados, las operaciones médicas y la vida en el campamento de la AFS, y varios sujetos mientras vivían en la India. Regresó a Nueva York en noviembre de 1945.

Penn continuó trabajando en Vogue a lo largo de su carrera, fotografiando portadas, retratos, naturalezas muertas, moda y ensayos fotográficos. En la década de 1950, Penn fundó su propio estudio en Nueva York y comenzó a hacer fotografías publicitarias. Con el paso de los años, la lista de clientes de Penn creció para incluir a General Foods, De Beers, Issey Miyake y Clinique.

Penn conoció a la modelo de moda sueca Lisa Fonssagrives en una sesión de fotos en 1947. En 1950, los dos se casaron en la oficina de registro de Chelsea, y dos años más tarde, Lisa dio a luz a su hijo, Tom Penn, quien se convertiría en diseñador de metal. Lisa Fonssagrives murió en 1992. Penn murió a la edad de 92 años el 7 de octubre de 2009 en su casa en Manhattan.

Mejor conocido por su fotografía de moda, el repertorio de Penn también incluye retratos de grandes creativos; Fotografías etnográficas de todo el mundo; Bodegones modernistas de alimentos, huesos, botellas, metales y objetos encontrados; y ensayos fotográficos de viaje.

Penn fue uno de los primeros fotógrafos en plantear sujetos contra un fondo gris o blanco simple y efectivamente utilizó esta simplicidad. Al expandir sus austeros entornos de estudio, Penn construyó un conjunto de fondos en ángulo vertical, para formar una esquina aguda y aguda. Los sujetos fotografiados con esta técnica incluyeron a Martha Graham, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Georgia O'Keeffe, W. H. Auden e Igor Stravinsky.

Las composiciones de naturalezas muertas de Penn son dispersas y altamente organizadas, ensamblajes de alimentos u objetos que articulan la interacción abstracta de línea y volumen. Las fotografías de Penn están compuestas con una gran atención al detalle, que continúa en su oficio de desarrollar y hacer impresiones de sus fotografías. Penn experimentó con muchas técnicas de impresión, incluidas las impresiones realizadas en láminas de aluminio recubiertas con una emulsión de platino, lo que hace que la imagen tenga un calor del que carecían las impresiones en plata sin tono. Sus impresiones en blanco y negro son notables por su profundo contraste, dándoles un aspecto limpio y nítido.

Mientras estaba inmerso en la tradición modernista, Penn también se aventuró más allá de los límites creativos. La exposición Earthly Bodies consistió en una serie de desnudos posados ​​cuyas formas físicas van desde delgadas a regordetas; mientras que las fotografías fueron tomadas en 1949 y 1950, no fueron exhibidas hasta 1980.

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Avedon nació en la ciudad de Nueva York en una familia judía. Era el único hijo de Jacob Israel Avedon, un inmigrante nacido en Rusia que tenía una tienda de ropa en Quinta Avenida,2​ Su madre era Anna, que pertenecía a una familia propietaria de una empresa de manufactura textil.1​ Él acudió al colegio DeWitt Clinton en el Bronx, donde colaboró en el periódico escolar The Magpie con el escritor James Baldwin desde 1937 a 1940.3​ Después de asistir durante un tiempo en la Universidad de Columbia, comenzó su carrera como fotógrafo, trabajando para la Marina Mercante en 1942, tomando fotografías identificativas de los miembros de las tripulaciones. Estas fotografías las realizó con una cámara Rolleiflex que le había dado su padre como regalo de despedida. De 1944 a 1950, estudió con Alexey Brodovitch en su laboratorio en la New School for Social Research.1

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.

Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17.000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conforman la serie In the american west 1979 – 1984.

Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.

Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por la revista The New Yorker, el cual se titulaba «On democracy», y se enfoca en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1 de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.

En el año 1991 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad

Richard Avedon
30:17

De origen judío, nació en Berlín, en el año 1920. Compró su primera cámara en 1932 con sus ahorros, a la edad de 12 años: era una Agfa Tengor Box. La cámara venía con carrete. Sus primeras fotos fueron en el metro, y todas las fotos se velaron, a excepción de una. En 1938, justo cuando comenzó la persecución contra los judíos, abandonó Alemania hacia Singapur con dos cámaras, una Kodak y una Rolleicord. A su llegada a Singapur, la comisión encargada de recibir a los refugiados le consiguió un trabajo como fotógrafo en uno de los diarios​ más importantes de Singapur, el Straits Times. Es ahí donde comenzó su carrera fotográfica. Su trabajo consistía en hacer fotos para la sección de sociedad; el estilo de las fotografías de Helmut Newton no gustaba en el periódico, y fue despedido al poco tiempo.

Helmut Newton no gozaba del apoyo de su padre. Si no hubiera tenido que huir a Singapur, su padre había insistido en que él trabajase en su fábrica de botones.

De Singapur fue deportado a Australia. Y al ser alemán, estuvo un período en un campo de internamiento. Posteriormente fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial. Después de abandonar el ejército, cambió su apellido Neustädter por Newton.

Después de la guerra, puso su propio estudio de fotografía en Melbourne y continuó ese punto. Es por esa época cuando conoció a la que más tarde sería su mujer, June Browne. Más tarde, para completar su formación en el campo de la moda, marchó a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viajó a París para trabajar en revistas especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en París donde fijó su residencia habitual. Allí, su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los de más éxito. Los últimos años de Newton discurrieron entre las ciudades de Nueva York y Montecarlo.

El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra por donde se la observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia han sido portada de las más prestigiosas revistas. Son famosas las fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos donde algunas de ellas se han convertido en una imagen icónica del siglo XX.3​ Newton fue un enamorado de la belleza, la que casi obsesivamente lograba captar como nadie con su cámara.

Para conocer parte de sus obras —objetos personales tales como cámaras, bolsas de material y artículos usados para fotografiar—, se puede visitar la Fundación Helmut Newton, Museum für Fotografie, Jebensstrasse, Berlín.

El 23 de enero de 2004, Helmut Newton murió en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Además de su enorme legado fotográfico, nos ha dejado su autobiografía, que se ha publicado recientemente en castellano (Helmut Newton, autobiografía, ISBN 84-933036-3-1).

Del 24 de marzo de 2012 al 17 de junio de 2012, el Grand Palais de París acogió la primera retrospectiva de Helmut Newton. Se expusieron 200 fotografías seleccionadas por su mujer, June Newton. Además de las fotografías, se proyectó un fragmento de un documental grabado por June; en él, June contesta, como sigue, a la pregunta de si alguna vez se ha sentido celosa por el trabajo de su marido:

Solo me preocupé una vez, cuando empezó a fotografiar flores; en concreto, flores muertas.

Jude Newton

En este mismo video, Helmut Newton explica lo que es para él una buena fotografía de moda:

Una buena fotografía de moda debe parecer cualquier cosa menos una fotografía de moda: un retrato, una foto recuerdo, una de paparazzi...

Helmut Newton

Helmut Newton
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Retrato y figura humana
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+ Felicitaciones!
1 lecture 00:46
Ya terminaron el taller, ¿ahora qué sigue?
00:46