Cómo Grabar tu propio ⚡️VIDEOCLIP PROFESIONAL⚡️ [Fácil]

Todo el lenguaje del cine es una combinación de planos, movimientos y composición del encuadre. Por otra parte, estas reglas y técnicas no son leyes inflexibles, sino que están a tu servicio, puedes utilizarlas como marca la teoría con oficio o bien romperlas de forma experimental y creativa para innovar.

Empezaré hablando de la Escala de planos: el plano es la unidad mínima de información dentro del lenguaje cinematográfico, tu decides qué entra dentro del plano y qué queda fuera. Destaco sobre todo:

-Plano General- dónde lo que se pretende es presentar un espacio y de este modo situar al espectador.

-Plano Entero- es un plano en el que se ve a todo el protagonista. Desde la cabeza hasta los pies.

-Plano Americano- viene del western ya que corta por encima de las rodillas para que se vieran las pistolas y cartucheras.

-Plano Medio- te corta por la cintura y muestra la mitad superior del cuerpo, puede ser más corto o más largo.

-Primer Plano- es de los más expresivos, el encuadre del rostro, abarca desde los hombros hasta la cabeza, provoca que el espectador conecte de manera cercana con el personaje

-Primerísimo Primer Plano- recorta aún más el PP, desde la barbilla hasta la frente, la fuerza expresiva se dispara.

-Plano Detalle- se basa en encuadrar un objeto, acción… el cineasta dirige la mirada del espectador. Mucha fuerza narrativa y expresiva.

-Plano Picado- desde arriba hacia abajo sobre unos 45º, machaca al personaje.

-Plano Contrapicado- de abajo arriba, exalta al personaje.

Los Movimientos de cámara, se utilizan para crear sensación de dinamismo

-La PANORÁMICA- es un movimiento que consiste en girar la cámara sobre su propio eje pero sin necesidad de desplazarse. Es como si girásemos el cuello para ver lo que tenemos alrededor pero sin movernos del sitio.

-BARRIDO- se trata de una panorámica muy rápida. Y se suele utilizar para transiciones de plano.

-TRAVELLING- donde la cámara sí se mueve, con un soporte, o con la cámara al hombro. Pueden ser desplazamientos laterales de un lado a otro, pero también hacia detrás y hacia delante.

-ZOOM- es un travelling óptico, la lente focal se acerca o se aleja de lo que queremos mostrar ya sea rápido o lento.

-DOLLY ZOOM- se trata de mover la cámara hacia delante y zoom hacia atrás o viceversa. Generando que el fondo del cuadro cambie de tamaño en relación con el sujeto que está en primer plano.

-CÁMARA EN MANO- Cuando no tenemos la cámara sobre ningún soporte o estabilizador, este movimiento tiembla mucho, generas una imagen cercana y natural pero un poco inestable.

-PLANO SECUENCIA- es cuando se hace la toma de la escena sin cortes. Es decir, durante un tiempo prolongado, se va filmando con distintos planos y ángulos. Plano larguísimo sin cortes.

La Composición del encuadre, es el arte de disponer los elementos cinematográficos, narrativos, que el creador quiere utilizar dentro del plano para que comunique la mayor expresividad posible. Bebe directamente de la fotografía y de la pintura. Todo está sometido a una libre composición.

-LINEAS DE GUÍA- estas buscan jugar con la profundidad de campo y la composición del encuadre. La localización centra nuestra atención en el personaje pueden aparecer como tales en estos ejemplos o simplemente sugeridas por los personajes, dirigen la mirada del espectador.

-UBICACIÓN EN EL CUADRO- sería cómo colocamos los objetos en el plano. Aquí primero los situamos y luego seguimos esa coherencia mediante la mirada. Todo está sometido a la libre composición para expresar nuestro concepto.

-ENFOQUE- es cuando algo aparece nítido en el encuadre, puede ser selectivo cuando queremos dirigir la mirada del espectador, o total, todo en el cuadro se ve perfectamente

-REGLA DE LOS TERCIOS- divide la imagen en 3 tercios iguales, dos líneas horizontales y dos verticales, entonces los puntos de intersección son los que centran la atención del espectador, por eso las imágenes se balancean hacía los costados y no en el centro.

Una vez explicada buena parte de la teoría que nos ayudará a darle forma a nuestro trabajo vamos ya con el estilo que nos gusta para nuestro videoclip. Aquí cada uno debe pensar qué tipo de videoclips son los que más consume. Al ver muchos videos musicales y muy distintos entre ellos generas una cultura visual que te ayudará para crear tu trabajo. Llega el momento de preguntarte: ¿Qué tipo de imágenes crees que le acompañarían a la canción escogida?

Lo primero que voy a necesitar para contar nuestra historia es una

-CÁMARA- hay muchísimos modelos, y todo tipo de precios. Pero tampoco es muy relevante qué modelo es el mejor porque depende del proyecto y sobre todo depende de quién esté detrás de la cámara.

Con una cámara que grabe en calidad FULL HD y que tenga controles manuales vas a poder hacer trabajos muy chulos. ¿Lo puedo grabar con el móvil? Sí puedes, aunque no soy yo muy fan, pero al menos asegúrate de poder controlar manualmente la exposición. Recuerda que buscamos resultados profesionales y si la luz se controla automáticamente la sensación es de un vídeo casero.

Los controles manuales básicos que deberías conocer son la Sensibilidad ISO, la Apertura de diafragma (F) y la Velocidad de obturación. Juntos definen la exposición del cuadro o foto.

La ISO es una ganancia digital y se trata de la sensibilidad que tiene nuestra cámara respecto a la luz. Cuanto más aumentes el ISO, más ruido digital obtendrá tu imagen y a no ser que sea un recurso estilístico buscado adrede para la ocasión es mejor rodar siempre en valores de ISO bajos.

La VELOCIDAD DE OBTURACIÓN es como una membrana que controla el tiempo que está expuesto el sensor a la luz, se mide en segundos o fracciones de segundo. A velocidad de obturación alta 1/800 entrará menos luz en la cámara y permite congelar el movimiento y con una velocidad de obturación baja el tiempo que el sensor está expuesto la luz aumenta y obtienes mayor iluminación pero más desenfocado saldrá el movimiento. Desde el principio el cine se grababa a 24fps y debido a la forma del obturador se tenía que obturar a 1/48s, por lo tanto si queremos conseguir la misma fluidez que en el cine vamos a intentar obturar al doble de los fotogramas por segundo. Esto quiere decir que si grabamos a 50fps vamos a tener que obturar a 1/100, si lo hacemos a 25fps como es habitual en el sistema PAL vamos a obturar a 1/50, entonces para exponer tendremos que tener en cuenta mucho esto TANTO SI GRABAMOS EN PAL COMO SI LO HACEMOS EN NTSC

-LENTES- las lentes nos ayudarán a dar ese aspecto profesional que buscamos. Son capaces de aprovechar al máximo la luz que les rodea y esto provoca que la cámara no tenga que forzar demasiado la imagen para iluminar el encuadre, por lo tanto sacaremos una mejor calidad de imagen.

¿Qué óptica necesito? Pues bien, eso también va a depender del tipo de videoclip. Si queremos algo que nos sirva un poquito para todo entonces recomiendo empezar con un 24- 70 mm porque nos da un rango que va desde angular para poder hacer tomas más abiertas (como por ejemplo un PG de situación), hasta prácticamente un teleobjetivo con el que cerrar más el plano para tener un PP que nos de un poquito más de emoción a la escena.

Si lo que vamos buscando es poca profundidad de campo entonces buscaremos una óptica con una  Apertura de diafragma 1.4, 1.8 o incluso 2.8 para generar ese desenfoque tan resultón. El diafragma regula la cantidad de luz que entra al sensor de nuestra cámara y se define en valores F, por lo tanto cuando más bajo sea el numero F, más luz entrará en nuestro objetivo.

En esta ocasión quiero destacar la importancia que tienen los estabilizadores de imagen como pueden ser los trípodes, monopies o steadycams. Nos permiten tener planos estables mucho más profesionales que con la cámara en la mano.  Es una parte del equipo técnico fundamental a la hora de hacer paneos y travellings. Yo en particular soy muy fan de los monopies ya que resulta muy fácil y rápido conseguir planos totalmente estabilizados y con un ligero movimiento. Si lo que pretendemos en nuestro videoclip es movernos junto a los músicos yo optaría por utilizar gimbals, ya que se trata de un estabilizador más ligero que su hermano mayor el steadycam.

¿Hace falta micro para grabar un videoclip? Pues depende, yo lo utilizo mucho. Si estoy grabando en la playa o en la ciudad, utilizo el micrófono para grabar un poco de sonido ambiente o wildtrack que me ayuda luego en edición para contar mi historia. También nos resultará imprescindible en el caso de querer grabar la canción con voz en directo ya que no es lo mismo utilizar el micro de la propia cámara que un micrófono especifico. Yo tengo el micro de cañón que serviría un poco para todo, por ejemplo si quieres grabar unos pasos con un buen sonido.

Otro que utilizo es el de la grabadora de audio, lo dejo en un sitio fijo y grabas lo que te interese. Por último sería el micro de corbata, aunque este en videoclips no lo suelo utilizar mucho la verdad, sería más bien para grabar una entrevista.

Desde la experiencia te digo que uno de los aspectos claves para un buen producto audiovisual es la pre-producción. Es importante crear un flujo de trabajo, una guía que nos permita ahorrar tiempo y tener mayor claridad en lo que hacemos y no dejar mucho a la improvisación, que ¡ojo! en ocasiones vienen muy bien, pero siempre es mejor improvisar sobre algo que ya tienes trabajado de antemano ya que en ocasiones la improvisación puede arruinar un vídeo.

Empezaremos con la Creación de la idea que queremos transmitir en la pieza a través de lo que pide el artista o queremos contar nosotros.

No obstante dejarte claro que casi siempre nos encontraremos con diferentes variantes entre nuestra idea original y la realidad según vayamos avanzando en la producción. Esto es normal dado que no todo lo que pensamos se puede plasmar al 100%, pero sí podemos tener un mapa mental de nuestro proyecto antes de empezar que nos será de gran ayuda para no perder el rumbo.

Una vez tenemos cerrada la idea sobre la que girará nuestro trabajo, debemos empezar a darle forma. Podemos hacer El guión del vídeo de muchas formas. Siempre que éste describa los aspectos de la mini película y nos facilite su grabación estará bien hecho. A mi por ejemplo me ayuda mucho plasmar la idea con "dibujitos" haciendo un storyboard, me resulta útil además me entretiene. Las viñetas se deben presentar de forma cronológica para previsualizar la estructura que tendrá el vídeo y también lo que hago es detallar el tipo de plano y las acciones que se desarrollan delante de la cámara. En esta ocasión otro ejercicio que suelo hacer bastante es editar una versión del videoclip con la música y referencias de otros vídeos. Esto lo hago para ver que tipo de planos y ritmo de edición es el que funciona más.

Una vez ya tenemos cerrado el guión y el estilo visual que tendrá nuestro trabajo ahora toca prepararlo todo para el día del rodaje.

En este caso una labor muy importante es la de cerrar las LOCALIZACIONES donde se va a rodar, ya que es posible que para grabar en determinados sitios precisemos de un permiso especial para ello, por lo tanto, es un aspecto a tener en cuenta. En nuestro caso busqué sitios dónde no hiciese falta pedir el consentimiento para poder grabar y de esta forma agilizar el proceso. Del mismo modo traté de buscar localizaciones que no estuvieran demasiado separadas entre si, ya que la idea es grabar todo el videoclip con la luz que tenemos entre las 19:30 y las 21:30, detalle que nos da muy poco margen y no podemos perder el tiempo en desplazamientos.

Lo siguiente será cerrar el VESTUARIO que el artista llevará en el videoclip y todos los objetos relevantes que vayamos a necesitar para contar nuestra historia. En este caso optamos por vestir a Moritz con pantalones vaqueros oscuros un poco desgastados, una camiseta blanca de tirantes y encima una camisa verde abierta. También decidimos incorporar algunos colgantes que significan mucho para nuestro artista y de calzado utilizamos unas zapatillas gastadas que aportaran un carácter  más desenfadado al conjunto.

Deberemos tener todo el EQUIPO TÉCNICO que vayamos a utilizar listo y preparado. Nuestra cámara con la tarjeta de memoria vacía y formateada, las baterías cargadas y el objetivo u ópticas que vayamos a utilizar. Asimismo, dejaremos listo el estabilizador que vayamos a utilizar para nuestro rodaje, en este caso yo grabaré con el monopié y seguramente también utilice en muchos planos el trípode en forma de steadycam. Y como sabéis yo me dejo también la grabadora de audio y el micro de cañón preparados. Tampoco puede faltar la cámara pequeña para mostraros el proceso del rodaje.

Una vez ha llegado el momento de rodar nuestro videoclip, es fundamental tener claro qué queremos grabar y cómo lo queremos grabar, por eso es tan importante haber realizado bien los pasos anteriores de cerrar el estilo que queremos, elaborar un guión y encontrar las localizaciones adecuadas.

Durante el rodaje me gusta crear un ambiente distendido y en este caso he intentado que nuestro protagonista se olvidase de la cámara para poder sacar gestos muy naturales y que no quedasen forzados. Del mismo modo me gustaba la idea de no utilizar ningún gimbal o estabilizador para darle a las tomas un aire más cercano y que de la sensación de estar andando junto al artista.

La luz natural es muy importante en nuestro videoclip y al grabar en exterior tenía que saber cuáles eran los mejores momentos del día para aprovechar la "hora dorada". Recordad grabar al amanecer o al atardecer cuando trabajéis en exteriores, la luz será mas suave y no tan dura como si grabásemos a mediodía.

Me gusta aprovechar cuando el sol está por detrás del sujeto y se crea un haz de luz que lo separa del fondo. Suele dar un resultado muy interesante y llamativo. En total fueron 3 tardes de grabación y lo que hicimos fue grabar la canción entera sin cortes e ir alternando con grabar solo el estribillo

IMPORTACIÓN DE MATERIAL Y ORGANIZACIÓN EN CARPETAS

Ya hemos vuelto de nuestro rodaje y ahora toca empezar a crear magia con la edición. Lo primero que deberemos hacer una vez ya tenemos todo nuestro material volcado en el ordenador o disco duro, es abrir nuestro programa de edición. Yo desde siempre trabajo con Adobe Premiere ya que es un programa bastante potente y fácil de utilizar.

Empezaremos por importar nuestro material grabado en la ventana de “PROYECTO” en el marco inferior izquierdo de la pantalla.

Lo mejor que podemos hacer para tenerlo todo organizado es ir creando carpetas para agrupar todo el material, tendremos que hacer click en el icono de nueva carpeta. Yo suelo dividir el material filmado por días, de modo que tendré todo lo grabado la primera jornada en la carpeta “1ER DÍA” y así hasta crear 3 carpetas que corresponden a las tres jornadas de rodaje. También importaré la canción de nuestro videoclip y la integraré dentro de la carpeta “AUDIO”. Aquí iré metiendo además todo lo relacionado con los efectos de sonido que utilizaré.

Ahora crearemos nuestra secuencia, y la forma más fácil es arrastrar cualquier clip que hayamos grabado hacia el icono de “nuevo elemento” esto hará que en nuestro timeline o línea de tiempo se genere una secuencia con los mismos ajustes que el clip seleccionado y a la que llamaré “BRUTOS” en mi caso se ha creado una secuencia de 1920 x 1080 y 25 fps. En el siguiente vídeo os muestro la parte menos divertida de la edición y cómo utilizare nuestra canción de base.

CANCIÓN COMO ESQUELETO DEL VÍDEO

Una vez he creado mi secuencia “BRUTOS”, ahora lo que hago es visionar todo el material que tengo grabado y selecciono lo que considero que me puede resultar útil. Uno a uno iré dando click en cada vídeo y se me abrirán en la ventana de “ORIGEN”. Cuando quiera una parte del clip lo que haré es apretar la I de IN y la O de OUT, de este modo selecciono lo que me interesa y lo arrastro a mi línea de tiempo. Podemos arrastrar Vídeo y Audio juntos haciendo click en la imagen o si lo preferís podéis arrastrar por separado el vídeo y el audio con estos dos iconos. A mi me interesa arrastrar todo para poder sincronizar posteriormente el audio del vídeo con la canción del videoclip. Al hacer esto se nos crea la pista de imagen y la pista de audio dentro de nuestra secuencia “BRUTOS”. Ahora arrastraré la canción a nuestra secuencia, selecciono las 2 pistas de audio botón derecho “sincronizar”. De este modo sitúo el vídeo en la parte de la canción que le corresponde.

Visionaré todos los clips uno a uno, iré seleccionando lo que posiblemente utilice y sincronizándolo con la canción, esta es la labor menos divertida pero, es fundamental para ser consciente de todo lo filmado y que posteriormente solo trabajarás con lo mejor.

He ido situando las pistas de vídeo una encima de otra y si necesito ver alguna en particular solo tengo que tapar las pistas que tengo arriba con el icono del ojo. Una vez filtrados nuestros vídeos, podemos hacer un visionado rápido de todo lo seleccionado para hacernos una idea de qué aspecto final tendrá nuestro trabajo. Ahora crearé otra secuencia del mismo modo que la anterior y la titularé cómo “FINAL”, Aquí arrastraré de nuevo nuestra canción e iré disponiendo los fragmentos que más me gusten en cada momento guiándome con el ritmo del tema. En el próximo vídeo os muestro unos cuantos "truquitos" a la hora de editar.

TRUCOS DE EDICIÓN

Ya tenemos prácticamente el esqueleto del videoclip cerrado y ahora toca aportarle un poquito más de valor a nuestro trabajo os dejo 4 trucos que seguro os servirán en vuestras producciones:

1- Yo aconsejo que utilicéis imágenes de recurso para separar ciertos clips, esto funcionará como transición entre tomas que de por si no casan demasiado bien unas detrás de otras.

De normal suelo grabarlas yo, pero en este caso en concreto al disponer de poco tiempo para el rodaje debido al tipo de luz tan concreta que necesitábamos apenas puede grabar recursos de la ciudad. Si os sucede igual que a mi siempre podréis recurrir a bancos de imágenes libres de derecho de autor para salir del paso. Estas 5 son imágenes de archivo y quería que representasen el día día en una gran ciudad.

2- Me gusta que el videoclip comience con unos segundos vacíos o solo con sonido ambiente antes de que empiece la canción y de este modo tener espacio para poner los créditos delante. Siempre es bueno dejar unos segundos vacíos al principio y al final del tema para darle importancia al grafismo del videoclip.

3- Los clips en los que Moritz no sale cantando quería que fuesen a cámara lenta por ello los grabé a 100fps para luego ralentizarlos a ¼ de su velocidad y que se quedaran en 25fps. Para ello tenemos que dar click derecho, vamos a MODIFICAR e INTERPRETAR METRAJE y en la ventana que se nos abre aquí donde pone “aplicar la siguiente frecuencia de fotogramas” le ponemos que sean 25 fps.

4- Me gusta jugar con las rampas de velocidad para darle un mayor dinamismo a la cámara lenta. Haciendo click derecho en el icono de FX que tiene el clip se abre una ventana donde iremos a “resignación de tiempo” y marcaremos velocidad. Ahora esta línea marcará la velocidad y agregando fotogramas claves podremos acelerar o ralentizar más si cabe ciertos momentos para darle más ritmo. Una vez ya estoy conforme con el resultado de todo esto, paso a modificar el color del videoclip.

COLORIZACIÓN Y EXPORTACIÓN DEL VIDEOCLIP

Dentro del programa Adobe Premiere tenemos la herramienta de color Lumetri. Aquí es donde daremos el look final a nuestro trabajo.

En este videoclip he tratado de que los colores naranjas y morados destacaran un poco sobre los demás pero de una forma muy sutil sin que tampoco quedase un color de imagen muy falso. Para ello lo primero que hago es en la pestaña “curvas”, dividir el color rojo en 4 partes iguales, y luego aumentar su tonalidad en las altas luces, esto lo que provocará es que en las partes donde la luz esté más fuerte se tiña un poco con matices rojos.

En “corrección básica” podemos teñir un poco la imagen hacia el naranja o el dorado, y luego me gusta bajarle las sombras y la saturación un poco. Una vez tengamos el estilo que nos guste lo que tendremos que hacer es ir copiando y pegando los atributos de Lumetri en todos los clips e ir variando algunos parámetros para igualar todo el trabajo, por ejemplo si tenemos un clip muy oscuro podemos subirle la exposición un par de puntos. La idea es que todas las imágenes en su conjunto tengan un mismo aspecto.

Ahora simplemente para exportar el video marcaremos con la I el inicio y con la O el final en nuestro timeline, vamos a “archivos”, “exportar”, “medios”. Formato “H264” y en “Ajuste predeterminado” le damos a “coincidir con origen: velocidad de bits alta”. Si queremos que nuestro video no pese tanto siempre podremos bajarle un poco la “velocidad de datos de destino”. Finalmente les damos a “Exportar”....Y ya tienes tu pedazo videoclip!!