Estilo de Diseño de Interiores Pop Art

Entenderás de dónde nace el Pop Art y qué lo distingue de otros estilos. Verás sus códigos visuales, su sentido lúdico y su fuerza comunicativa, para trasladarlo al hogar sin caricaturizarlo. Aprenderás a reconocer lo “Pop” auténtico y a usarlo como base de diseño.

Explorarás el lenguaje del cómic, la ironía y la cultura de masas como recursos decorativos. Aprenderás a convertir referencias populares en decisiones de interiorismo, manteniendo coherencia estética. Sabrás cuándo un símbolo suma identidad y cuándo distrae o envejece el espacio.

Aprenderás a construir paletas vibrantes sin fatigar la mirada. Trabajarás combinaciones de primarios, neones y tonos saturados con neutrales estratégicos. Entenderás contraste, proporción y “descansos visuales” para lograr un Pop Art intenso pero habitable.

Dominarás la repetición como herramienta Pop: lunares, rayas, dameros y tramas. Verás cómo escalar patrones, combinarlos y ubicarlos para crear ritmo sin caos. Te llevarás criterios para decidir cuándo un patrón debe ser protagonista o actuar como textura de fondo.

Aprenderás a seleccionar referencias culturales con intención y buen gusto. Analizarás iconos, objetos y guiños visuales para que el resultado sea sofisticado, no “juvenil” por defecto. Sabrás crear un universo Pop personal y actual, alineado con el tipo de espacio y usuario.

Construirás moodboards eficaces para comunicar estilo, color, materiales y arte. Aprenderás a ordenar imágenes, jerarquizar y contar una historia visual clara. Esta lección te ayuda a pasar de ideas sueltas a una propuesta convincente, lista para presentar a un cliente o alumno.

Verás cómo integrar letras, números, onomatopeyas y grafismos sin convertir el espacio en un cartel. Aprenderás criterios de ubicación, escala y moderación. Entenderás la diferencia entre un recurso Pop elegante y un ruido visual, y cómo mantener legibilidad y armonía.

Conocerás los materiales que refuerzan el carácter Pop: lacados, metales, plásticos, vidrio y superficies reflectantes. Aprenderás a combinarlos con texturas mates para equilibrar. También verás claves de mantenimiento y durabilidad para que el impacto visual no comprometa el uso diario.

Aprenderás una fórmula sencilla para controlar el estilo: base neutra + contraste gráfico + un color estrella. Verás cómo el blanco y negro ordenan, y cómo un acento saturado crea foco. Aplicarás esta regla en ejemplos reales para evitar “mezclas sin dirección”.

Identificarás los fallos más comunes: saturación, exceso de iconos, mala escala, falta de coherencia y paletas sin descanso. Aprenderás a diagnosticar un espacio y corregirlo con ajustes precisos. Terminarás la sección con un criterio claro para diseñar Pop Art con control.

Aprenderás a elegir muebles que aporten presencia: curvas retro, módulos geométricos y piezas de líneas fuertes. Verás cómo el mobiliario puede ser “lienzo” o protagonista, y cómo evitar que compita con el arte. Te llevarás pautas para confort, escala y coherencia.

Explorarás el arte como centro del Pop Art interior. Aprenderás a seleccionar formatos grandes, series y composiciones tipo galería. Verás cómo enmarcar, ubicar y iluminar para un resultado profesional. También aprenderás a equilibrar presupuesto y autenticidad con criterio.

Aprenderás a usar textiles como herramienta de impacto: tapicerías, cojines, alfombras y cortinas con color y patrón. Verás cómo dosificar para que el conjunto respire. Trabajarás mezclas de texturas y tramas, y aprenderás a mantener unidad cromática sin aburrir.

Dominarás recursos para transformar paredes: papeles, vinilos, paneles y composiciones gráficas. Aprenderás a elegir la pared correcta, calcular escala y controlar el “ruido”. Verás cómo integrar estos elementos con muebles y luz para que el resultado parezca diseñado, no improvisado.

Aprenderás a integrar neón y luz decorativa como acento, no como exceso. Verás cómo elegir mensajes, ubicaciones y tamaños para mantener sofisticación. También trabajarás alternativas: luz LED indirecta, cajas de luz o piezas luminosas. El objetivo: energía Pop con control estético.

Aprenderás a identificar objetos con poder transformador: esculturas, lámparas, piezas kitsch bien curadas o diseño de autor. Verás cómo un solo elemento puede definir el estilo. Trabajarás criterios de selección, coherencia y proporción para que la pieza eleve el espacio sin dominarlo.

Aprenderás a combinar acabados para crear profundidad: mate para calmar, brillo para destacar y metal para acentuar. Verás cómo repartir superficies reflectantes y evitar “parches”. Entenderás la lógica de materiales Pop y cómo elegirlos según luz natural, mantenimiento y uso del espacio.

Aprenderás una metodología para construir color de forma profesional. Primero base, luego acentos grandes, finalmente detalles pequeños que conectan todo. Verás cómo repetir tonos para generar unidad y cómo introducir variaciones sin perder identidad. Esta lección evita cambios impulsivos y desorden cromático.

Aprenderás a estilizar estanterías con mirada Pop: agrupaciones, repetición de formas, alternancia de alturas y uso del vacío como diseño. Verás cómo combinar libros, objetos y arte pequeño sin saturar. Terminarás con un sistema práctico para componer estantes fotogénicos y coherentes.

Aprenderás a fusionar el Pop Art con estilos actuales sin choque. Verás qué elementos mantener neutros y qué piezas deben llevar el “golpe” Pop. Trabajarás casos tipo: nórdico + color, industrial + gráfica, minimal + icono. Resultado: híbridos equilibrados y vendibles.

Aprenderás a distribuir el Pop Art por zonas para evitar concentración excesiva. Verás cómo crear puntos focales, transiciones y áreas de descanso. Trabajarás la lógica de recorridos: qué ve el usuario al entrar y cómo se guía su mirada. Esto convierte el impacto en una experiencia coherente.

Dominarás principios de composición para ordenar el caos aparente del Pop. Verás cómo usar simetría para estabilidad y asimetría para energía, definiendo un foco claro. Aprenderás a decidir dónde “grita” el espacio y dónde susurra, logrando un diseño intencional y legible.

Aprenderás a iluminar para potenciar color y brillos sin deslumbrar. Verás cómo usar focos, bañadores de pared y luz puntual para arte y objetos. Entenderás reflejos, sombras y temperatura de color para que el Pop se vea vibrante y bien fotografiado, sin volverse estridente.

Explorarás cómo los colores saturados influyen en ánimo, atención y confort. Aprenderás a decidir qué tonos activar y cuáles calmar según función del espacio: descanso, trabajo, social. Verás cómo introducir “pausas” cromáticas para que la energía Pop no se convierta en fatiga visual.

Aprenderás a trabajar con piezas grandes: arte XXL, sofás voluminosos, lámparas escultóricas. Verás cómo medir, previsualizar y asegurar proporción con el espacio. Entenderás la relación entre mobiliario, techos y recorridos. Resultado: impacto monumental sin perder funcionalidad.

Aplicarás estrategias para mini espacios: paletas inteligentes, acentos concentrados, patrones en dosis y espejos bien ubicados. Aprenderás a evitar saturación en metros reducidos y a priorizar piezas “multiimpacto”. Terminarás con soluciones prácticas para lograr Pop Art sin encoger el ambiente.

Aprenderás a diseñar una pared galería con método: selección, curaduría, coherencia y ritmo. Verás sistemas de alineación, alturas y separación para un montaje profesional. Entenderás cómo mezclar tamaños y marcos sin perder unidad. El resultado será una composición sólida, lista para portfolio.

Aprenderás a equilibrar estética Pop con necesidades reales: almacenaje, circulación, ergonomía y mantenimiento. Verás cómo el arte puede convivir con zonas de uso intensivo sin sufrir. Trabajarás decisiones de materiales y ubicación para que el espacio sea bello, pero también cómodo y práctico.

Aprenderás a construir una historia visual coherente: tema, referencias, paleta, piezas y detalles. Verás cómo evitar compras impulsivas y crear un guion de diseño con intención. Esta lección convierte el Pop Art en una identidad completa, con sentido, capaz de emocionar y diferenciar.

Aprenderás a enriquecer el Pop más allá de lo visual: texturas contrastadas, materiales táctiles, reflejos y ritmo espacial. Verás cómo la luz y los acabados cambian la percepción. Trabajarás la idea de “atmósfera viva” para crear espacios que se sienten dinámicos, no solo decorados.

Aprenderás a formular preguntas clave, detectar límites y traducir preferencias en un concepto Pop sólido. Verás cómo evitar malentendidos y cómo documentar decisiones. Trabajarás un brief que conecte estilo, funcionalidad y presupuesto, con un enfoque profesional para que el proyecto avance sin improvisación.

Aprenderás a priorizar inversiones: dónde gastar para lograr “wow” y dónde ahorrar sin perder efecto. Verás cómo planificar compras, fases y alternativas. Trabajarás criterios de coste/impacto para arte, iluminación, muebles y acabados. Resultado: proyectos viables, atractivos y defendibles.

Aprenderás estrategias de búsqueda y selección: vintage con carácter, réplicas bien elegidas y producción local personalizada. Verás cómo evaluar calidad, autenticidad y coherencia. También aprenderás a construir una lista de recursos por categorías para trabajar con rapidez y criterio en proyectos futuros.

Aprenderás a transformar muebles con técnicas realistas: pintura, lacado, vinilado y cambios de herrajes. Verás preparación, elección de productos y cuidados para que el acabado aguante. La meta es crear piezas Pop únicas sin depender siempre de compras nuevas, elevando identidad y presupuesto.

Aprenderás recursos gráficos de alto impacto: stencil, tramas, plantillas, serigrafía y técnicas mixtas. Verás cómo planificar un mural, transferir diseño y controlar bordes y repetición. También aprenderás a decidir ubicación y escala para que el mural sea protagonista sin invadir todo el espacio.

Aprenderás a gestionar el color en condiciones reales: luz, sombras, orientación y superficies. Verás cómo hacer muestras, evaluar tonos y corregir desviaciones antes de ejecutar. Esta lección evita sorpresas costosas y asegura fidelidad cromática, clave en un estilo que depende tanto del impacto del color.

Aprenderás a rematar el proyecto con styling profesional: capas de objetos, textiles, arte pequeño y composición final. Verás cómo ordenar sin quitar energía, y cómo preparar el espacio para fotos y entrega. Terminarás con un método para lograr un resultado “editorial” sin sobrecargar.

Aprenderás a imponer jerarquía en escenarios intensos: qué manda, qué acompaña y qué se elimina. Verás cómo controlar repetición, contraste y tamaño para que el ojo entienda el espacio. Esta lección es clave para que el Pop Art se perciba diseñado y premium, no como acumulación.

Aprenderás a aplicar Pop Art con enfoque responsable: reutilizar muebles, reinterpretar objetos, elegir materiales duraderos y reducir desperdicio. Verás cómo la creatividad Pop encaja con upcycling y economía circular. El objetivo es lograr impacto visual sin caer en consumo impulsivo o soluciones de corta vida.

Aprenderás a cerrar un proyecto con estándar profesional: revisión de acabados, seguridad, limpieza visual, montaje correcto y documentación. Verás cómo preparar una entrega que impresione y evite reclamaciones. Terminarás con una lista de control práctica para garantizar calidad, coherencia y efecto final.

Aprenderás a aplicar el Pop Art en espacios comerciales: escaparate, recorrido, zonas de impacto y puntos de foto. Verás cómo el estilo puede mejorar recordación de marca y experiencia. Trabajarás criterios de durabilidad, mantenimiento y consistencia visual para que la tienda sea potente y funcional.

Aprenderás a diseñar hostelería Pop con criterio: atmósfera, iluminación, materiales resistentes y narrativa de marca. Verás cómo equilibrar impacto y confort, y cómo diseñar zonas para socializar y fotografiar. El objetivo es crear espacios con personalidad que se diferencien en un mercado competitivo.

Aprenderás a diseñar puntos focales pensados para experiencia y fotografía sin caer en artificio. Verás cómo construir rincones con composición, luz y detalles Pop que inviten a quedarse. Trabajarás el equilibrio entre estética y vida real, para que lo “instagrameable” también sea habitable.

Aprenderás a integrar tecnología sin romper la estética: pantallas como elemento, arte digital, iluminación dinámica y control inteligente. Verás cómo coordinar color, reflejos y materiales para que la tecnología parezca parte del diseño. Esto te permitirá crear propuestas actuales, atractivas y alineadas con tendencias.

Aprenderás a pensar como creador: definir concepto, paleta, formas y repetición para diseñar una mini colección Pop. Verás cómo mantener coherencia entre piezas y cómo crear identidad reconocible. Ideal para quienes quieren diferenciarse con producto propio, detalles personalizados o styling exclusivo.

Aprenderás a estructurar un proyecto completo: concepto, decisiones de distribución, materiales, iluminación y propuesta visual. Verás cómo organizar documentación para que el diseño sea ejecutable, no solo inspiracional. Esta lección conecta creatividad con rigor profesional, preparándote para entregar un trabajo realista y sólido.

Aprenderás a presentar con estrategia: narrativa, argumentos, comparativas y visuales que generan confianza. Verás cómo justificar color, patrones y costes sin intimidar al cliente. Trabajarás una estructura clara para que tu propuesta sea entendida y deseada, aumentando probabilidad de aprobación y venta del proyecto.

Aprenderás a fotografiar proyectos Pop respetando el color y la energía del espacio. Verás cómo preparar el styling, controlar luz y elegir encuadres que cuenten historia. Esta lección te ayuda a producir material de portfolio atractivo y coherente, clave para captar clientes y posicionarte.

Aprenderás a construir una firma estética propia: una paleta recurrente, tipos de iconos, acabados y lenguaje visual. Verás cómo evitar copiar tendencias y cómo crear consistencia en tu trabajo. El objetivo es que tu estilo sea reconocible y profesional, con personalidad sin perder versatilidad.

Aplicarás todo lo aprendido en un proyecto completo, desde concepto y moodboard hasta ejecución y presentación final. Definirás paleta, materiales, piezas clave, iluminación y styling, y lo prepararás para ser mostrado. Terminarás con un trabajo “publicable”, listo para portfolio, clase o propuesta comercial.

En esta clase conoceremos cómo poder conseguir el software y proceder con su instalación de forma correcta en nuestros equipos informáticos. Este proceso es fundamental para poder usar el programa sin ningún tipo de problema a posteriori.

¡Vamos allá!

Configuraremos de forma óptima la interfaz del programa, además veremos en detalle los distintos menús y apartados de la interfaz. El objetivo será conocer en detalle el aspecto visual del software y como movernos de forma fluida a través sus herramientas y funciones.

En esta clase aprenderás y conocerás los principales sistemas de selección de entidades de los que dispone AutoCad y que te ahorran muchísimo tiempo y esfuerzo durante tu trabajo con el programa.

Vamos a conocer las principales herramientas de AutoCad para los campos del interiorismo y la Arquitectura.

Ahora es el turno de pasar a modificar y manipular los objetos creados en las clases anteriores. Sin duda una de las lecciones más importantes de todo el curso y del uso de AutoCad.

Resulta fundamental que puedas identificar tanto el "espacio modelo" como el "espacio de trabajo" dentro de AutoCad, que te permitirá sacar mayor partido del programa.

Unos de los principales quebraderos de cabeza con AutoCad son los archivos usados como referencias externas. En esta lección veremos como gestionar este tipo de archivos.

Muy importante resulta el aspecto de determinar y establecer una escala validad en nuestros proyectos gráficos. En esta clase veremos en detalle la forma correcta de llevar a cabo este proceso.

En esta actividad te propongo dibujar con AutoCAD un sencillo salón de una pequeña vivienda. El punto de partida será un dibujo con algunas cotas en formato jpg. A partir de esta información lleváremos a cabo el dibujo de toda la planta arquitectónica propuesta.

¡Manos a la obra!

En esta actividad vamos a practicar las técnicas básicas de dibujo. Para ello descarga todo el material complementario y lleva a cabo el ejercicio propuesto.

"Medidas usadas para el Museo Guggenheim". Las cotas se facilitan en centímetros.

Conceptos introducidos:

• Dibujo con círculos y arcos.

• Referencias a objetos: centro, cuadrante.

• Modos de selección y pinzamientos.

• Creación e insercción de bloques.

• Modificar: desfase, estirar, desplazar y descomponer.

• Paleta de Propiedades.

• Formato: tipos de línea, escala global y específica.

Una de las premisas de cualquier documentación gráfica arquitectónica es el hecho de que deben incluir una leyenda y/o cartela que indique e identifique a cada uno de los planos de nuestro proyecto. En esta lección crearemos nuestra cartela y la usaremos en los distintos planos.

En esta primera sesión comenzaremos viendo como poder conseguir el software de modelado 3D SketchUp Pro y proceder con su instalación en nuestros equipos.

Conoceremos los principales atajos de teclado de SketchUp y como crear y gestionar nuevos atajos de teclado en el programa. Utilizar éstos métodos es mucho más rápido que ir de un botón a otro en la Barra de Herramientas. Además asignaremos Atajos de Teclado personalizados que nos puede proporcionar un gran incremento de velocidad en todas las operaciones de activación de herramientas.

Veremos los principales sistemas de selección en SketchUp, como: selección mediante ventana, selección múltiple, selección mediante un clic, dos clic y triple clic.

SketchUp destaca por la simplicidad y velocidad que ofrece en el proceso de modelado, gracias a un sistema de creación de susperficies y sólido muy intuitivo. Antes de empezar a dibujar, hay que explicar que los modelos de SketchUp se crean básicamente uniendo líneas (aristas) para formar caras. Las caras se crean automáticamente cuando se unen tres o más líneas que estén en el mismo plano; de este modo se pueden ir uniendo superficies planas para formar los modelos deseados.

Conoceremos los principales conceptos sobre el Dibujo 3D con SketchUp y las herramientas imprescindibles para ello: Mover, Girar, Copia lineal, Copia polar, Copia múltiple, Escalar, Equidistancia.

El otro pilar básico de la mecánica de trabajo que presenta este curso online es el modelado basado en capas. El hecho de dibujar con una estructura de capas clara y organizada, no solo facilita la compresión y el manejo del modelo por parte de cualquier usuarios, sino que allana enormemente el camino para las siguientes fases de producción, principalmente para la aplicación de materiales y texturas. Es por ello, que se hace imprescindible el uso de una estructura de capas en cualquier modelo, de manera que un modelo muy complejo, es decir, con mucha geometría, puede convertirse en un modelo muy sencillo si las capas se usan adecuadamente.

Aplicar mapas y texturas_ La increíble herramienta pintar. Sin duda la clase que más te va a gustar. 

Qué son y para qué sirven los estilos visuales de SketchUp

Sketchup cuenta con estilos precargados que nosotros podemos aplicar a cualquiera de nuestras ventanas, pero lo que hay que entender es que el poder de modificar los estilos lo tiene Sketchup.

Los estilos le permiten guardar las propiedades visuales de su modelo. Cosas como el estilo de borde y el estilo de cara afectan la forma en que se representa su modelo, y pueden hacer que su modelo se vea dramáticamente diferente. Los estilos pueden ser una propiedad guardada de una escena, por lo que debe asignar un estilo a su modelo cada vez que cree una escena. 

Todas las propiedades de estilo se pueden editar desde la pestaña Editar en la ventana Estilos. También puede cambiar algunas de las propiedades de estilo de varios menús y barras de herramientas dentro de SketchUp, así que asegúrese de guardar los cambios que haya realizado si desea que se guarden en un estilo. 

Crear, modificar y guardar estilos.

Aprenderemos a posicionar cámaras para posteriormente crear y guardar distintas escenas de nuestros proyectos, que nos permitirán además realizar vídeos que muestren nuestro proyecto.

A partir de la versión 2013 del software, se ha creado un ‘Almacén de Extensiones’, un lugar donde el que quiera, pueda personalizar su copia de SketchUp de la forma que más le interese según sus descargas de plugins y extensiones. Esta herramienta funciona como una verdadera tienda de descargas, en donde podrás visualizar aquellas descargas más populares, con opiniones de usuarios haciendo todo este proceso mucho más simple.

Es importante destacar que existen extensiones tanto de pago como gratuitas, para las segundas, se pueden instalar directamente desde el Almacén de extensiones y para las primeras, en la descripción de la extensión, en lugar del botón de la instalación aparecerá uno que pone Conseguir esta extensión y nos referirá a la página de sus creadores donde deberemos seguir las instrucciones que nos indique el desarrollador para conseguirlas.

Extensión que nos permite crear superficies de forma automática, par posteriormente poder proceder con la extrusión y modelado 3D de la geometría.

Introducción a Layout

Conocimientos previos necesarios, recomendaciones antes de comenzar con este fantástico programa de maquetación de planos. 

Una descripción general del curso de video SketchUp to LayOut, así como instrucciones sobre cómo seguir el curso y descargar el material extra. 

En esta clase llevaremos a cabo el modelado de un mueble en 3D desde 0.

En este capítulo llevaremos a cabo el modelado de un mueble en 3D desde un archivo DWG/DXF de AutoCad.

1 Comenzamos dibujando un rectángulo (escalón) de superficie 1;0.28 m. Con la herramienta Empujar (P) le damos un espesor de de 0,17 m de altura. Seleccionamos todo el peldaño y creamos un componente.

2 Realizamos una copia múltiple con Mover (M) + Ctr. y posteriormente *7. Seleccionamos el último escalón y botón derecho convertir en único.  Entramos en su edición y realizamos un escalado de 1m de ancho.

3 Seleccionamos todos los escalones y el rellano dibujados previamente y creamos un nuevo componente llamado tramo.

4 Copiamos el tramo y lo giramos posicionandolo de manera que quede un tramo de ida y otro de vuelta.

5 Trabajamos en detalle dentro de uno de los escalones dando el diseño que nos interese. En el ejemplo se ha realizado una componente con el lateral del escalón para realizar una pletina gris oscura que copiaremos en ambos extremos del escalón. También hemos aplicado un color madera al peldaño con la herramienta Bote (B)y reducido su espesor.

1 A continuación repetimos el mismo proceso para el rellano.

1 Realizamos una barandilla a partir de rectángulo creado mediante la herramienta Línea (L), dibujandolo dentro del componente tramo para que tambien aparezca en el tramo de subida.

1 Realizamos una Equidistancia (F) en el rectángulo y le damos espesor para simular una estructura para la barandilla, aplicamos un material de vidrio al paño de la barandilla.

Vamos a ver en detalle los fundamentos de VRay para que puedas sacar el máximo partido del mismo.

Uno de los temas más importantes del curso, vamos a conocer como VRay gestiona los materiales foto-realistas.

Vamos a ver como podemos configurar correctamente los parámetros del motor de render referentes a la calidad final de salida.

Sin duda uno de los elementos más importantes es la ventana gráfica del Frame Buffer en la cuál podremos visualizar y editar nuestros render de forma rápida y sencilla.

En esta clase vamos a tocar los tres parámetros principales a la hora de conseguir render de calidad. La luz, los materiales y las opciones de VRay.

En esta lección te explico en detalle las tipologías de luces más importantes de VRay.

Para conseguir una correcta exposición en nuestros renders, resulta imprescindible configurar correctamente la cámara de VRay. En esta clase te lo muestro.

Renderizado Final de nuestras Escenas 3D.

La primera vez que abrimos Photoshop puede resultar bastante intimidante debido a la cantidad de opciones, utilidades y herramientas que nos encontramos al entrar. Realmente vamos a acabar utilizando muchas menos de las que se muestran pero además, puede que nos cueste encontrar lo que buscamos si no sabemos dónde tenemos que mirar.

Hay que tener en cuenta que Photoshop está orientado a un montón de profesionales diferentes y el programa nos ofrece varias herramientas que posiblemente no utilicemos nunca.
Una vez hayamos aprendido a orientarnos en el programa, lo ideal es poder personalizar su interfaz para que sea ella la que se adapte a nuestro método de trabajo, y no al revés.

Esas son las dos cosas que vamos a aprender hoy; dónde buscar lo que necesitamos y cómo organizarlo a nuestra manera.
Vamos a empezar con un rápido repaso a las diferentes zonas de la interfaz de Photoshop.

Los elementos de la interfaz de Photoshop

Podemos diferenciar 6 bloques de información diferentes en la interfaz de Photoshop:
– La barra de menús
– Los paneles
– La barra de estado
– El lienzo
– La barra de herramientas
– La barra de opciones.

La capa de ajuste de Brillo/Contreate en Photoshop, es quizá la herramienta más simple que tenemos en la suite de Adobe para controlar la luminosidad y el contraste de nuestras imágenes. Su nombre (brillo/contraste) no deja lugar a dudas de lo que va a hacer. La clave es que, como el resto de capas de ajuste, viene asociada a una máscara con lo cual vamos a poder aplicar dichos efectos de una manera local.

Para modificar el brillo, y el contraste de una imagen existen otras herramientas más completas que Brillo/Contraste, como podrían ser las capas de ajuste de Niveles o de Curvas, las cuales aparte nos ofrecen mucho más control sobre el resultado final. En cambio, son bastante más complejas de usar ya que, como vamos a ver, la capa de ajuste de brillo/contraste es tremendamente simple.

La principal virtud de esta capa de ajuste, defenestrada por muchos es que nos va a permitir modificar la exposición, correcto, pero no de manera global como se hace, por ejemplo modificando el deslizador de Brillo en la capa de ajuste de brillo/contraste, no. Aquí vamos a poder modificar la exposición de manera selectiva enfocando en corregir la exposición en determinados tonos de la imagen de manera independiente. 

Muchas veces, una vez ha terminado el render —y suele pasar si han sido necesarias muchas horas— nos damos cuenta de que una determinada zona requiere más iluminación, como ocurre en este ejemplo con el rostro de la chica. No hace falta volver a renderizar. Esto es algo muy fácil de resolver en Photoshop creando una capa de ajuste (Niveles) con una máscara atenuada que sirva para iluminar esa u otras zonas.

Los Niveles corrigen la gama tonal y el equilibrio de color de una imagen ajustando los niveles de intensidad de las sombras, los medios tonos y las iluminaciones de la imagen. El histograma Niveles sirve como guía visual para ajustar la tonalidad de la imagen.

Podemos guardar determinados valores de Niveles como un ajuste preestablecido para aplicarlo en lo sucesivo a otras imágenes.

El color es uno de los temas más complicados de dominar a la hora de hacer un render, aunque hayamos colocado un color con su código RGB a un material, es muy posible que al realizar el render observemos que ese color no se muestra como queríamos. Por esta razón, es muy habitual realizar correcciones de color en Photoshop, dónde resulta muy sencillo variar el color de un elemento.

Un error que se comete mucho es renderizar con colores muy saturados. En la realidad los colores son más bien de baja saturación. En la configuración de los materiales o en el render intenta bajar la saturación de los colores, a menos que quieras hacer énfasis en algún elemento o material que quieras que sobresalga.

En muchas ocasiones queremos transformar una imagen o algunos elementos que aparecen en esta a escala de grises. Como suele ocurrir en Photoshop, existen varios modos de conseguir el efecto. Veamos las diferentes posibilidades comparando sus pros y contras.

El método más directo es hacer clic en Imagen > Modo > Escala de grises. Esto sustituye directamente el espacio de trabajo de RGB a escala de grises sin dar opciones a personalizar el cambio. Además, nos impide agregar elementos a color en la imagen, puesto que este modo afecta a la fotografía y todas las capas. Se trata por tanto de un método poco empleado por sus numerosos inconvenientes. 

El ajuste Filtro de fotografía imita la técnica de colocar un filtro coloreado delante de la lente de la cámara para ajustar el equilibrio y la temperatura del color de la luz transmitida a través de la lente y exponer la película. El ajuste Filtro de fotografía le permite elegir un color preestablecido para aplicar un ajuste de tono a una imagen. Si deseas aplicar un ajuste de color personalizado, el ajuste Filtro de fotografía permite especificar un color mediante el Selector de color de Adobe.

También puedes elegir Imagen > Ajustes > Filtro de fotografía. No obstante, recuerda que, con este procedimiento, los ajustes se aplican directamente en la capa de la imagen y se elimina información de la imagen.

El viñeteado o viñeteo es la aparición de bordes negros en las fotos. Este efecto se produce en aquellas ocasiones en las que el campo de visión del objetivo se ve afectado por la interposición de elementos como filtros que afectan al ángulo de visión, cuando el chasis o la parte metálica de el filtro o portafiltros entra en el ángulo de visión
del objetivo y sale en la foto.

Lo que se puede considerar como una deficiencia del sistema óptico de nuestras cámaras ha resultado ser en muchas ocasiones un elemento compositivo de enorme importancia. El viñeteo, dirige la atención irremediablemente al centro de la fotografía. Puede ser además el más sutil y elegante de los marcos y por lo tanto, si queremos, podemos tomarnos este defecto como una gran oportunidad. Tanto es así, que si nuestra flamante cámara no genera estos artefactos, ¡siempre nos quedará el Postprocesado! Vamos a ver como lo haríamos en Photoshop.

Añadir marcas de agua a una fotografía o imagen es una tarea que puede realizarse con multitud de programas distintos, entre ellos, Photoshop. 

Esta clase es muy importante ya que vamos a aprender a importar e instalar correctamente las distintas acciones propuestas en PhotoShop.

Fantástica acción automática que genera un acabado a modo de dibujo abocetado de nuestra imagen.

Fantástica acción automática que genera un acabado a modo de dibujo abocetado de nuestra imagen.