Escritura teatral. Guía para principiantes.

La premisa tiene que ser algo que nos sirva como faro cuando nos perdemos, una luz en la oscuridad. Tiene que ser el motivo (o el motor) de nuestra escritura. Eso que nos permita focalizar el propósito de nuestra obra. Por qué o para qué la estamos haciendo. Es muy útil y necesaria. Tiene que ser una oración o varias en donde esté representado el espíritu de la obra.

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Juan Paya / @juancitopaya / www.juanpaya.com

Muchas veces creemos que tenemos una idea lo suficientemente sólida como para escribir una obra de teatro. Y lo que suele suceder es que en verdad esa idea no es una idea sino un disparador o una premisa.

La idea es lo que también se conoce como plot central. Es la unidad mínima de sentido de una historia, el diseño preliminar del suceso que estamos por escribir. Se define en una frase corta de no más de cinco renglones que incluye los protagonistas, el contexto y el conflicto.

Les comparto algunos consejos útiles para que tengan en cuenta a la hora de escribir la frase que describe la idea:

Hay que ser concisos.

Tenemos que ser breves y contar solo aquello que de verdad sea imprescindible para entender qué sucede en nuestra historia.

Usa el presente de indicativo y sobre todo verbos de acción: estos te ayudarán a contar tu relato de una forma muy sintética, pero aportando muchos datos. El presente de indicativo en español indica que la acción expresada por el verbo se da en el mismo momento en el que se habla. Este tiempo verbal no tiene por qué estar ligado únicamente al presente (ahora) sino que puede estar desligado del tiempo o referirse al pasado o al futuro.

Es muy importante que la idea conteste a las preguntas: ¿Qué ocurre? ¿A quién le ocurre? ¿Dónde le ocurre? ¿Qué pasa al final?

Re escribir tantas veces como sea necesario. Siempre intentando mejorarlo, pero sin enroscarnos demasiado.

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En el teatro existen dos géneros clásicos: la tragedia y la comedia. De hecho, el símbolo que lo representa está formado por dos máscaras: una que sonríe y otra que llora. Esa clasificación antigua parte de la tristeza y de la risa que, en líneas generales, es lo que solemos ver en el teatro, una obra para reír o una obra para llorar.

Siempre es bueno leer. Busquen distintos autores, de distintas épocas y diferentes géneros. Es importante saber que, para escribir teatro, hay que leer teatro. Hay que investigar y empaparse.

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Antes de avanzar, es necesario que conozcamos o repasemos las partes de un texto teatral (Diálogos, acotaciones, didascalias, actos y escenas) para tener el vocabulario adecuado a la hora de hablar con colegas, directores, actores o productores.

Es muy importante leer obras de teatro para tener referencias de otros autores; no para copiar sino para influenciarnos en el mejor de los sentidos. En la pagina de donde les compartí el texto de "Romeo y Julieta" hay varias obras clásicas gratuitas para aprovechar, pero lo ideal es leer muchas obras de varios estilos, autores, géneros y épocas, incluso contemporáneas.

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Hay que tener presente el ejercicio de pensar las posibilidades de materialización: cantidad de actores, tipo de escenografía, etc. Dejar volar la imaginación, aunque con ciertos límites, para que todo sea posible.

A mi sirve mucho dibujar la locación que imagino para cada historia aunque después el escenógrafo haga algo distinto. No me importa ni pretendo que se use, simplemente lo hago para visualizar e imaginar a los personajes moviéndose y accionando en el suceso que elegí contar, de esa manera aprovecho el lugar al máximo y optimizo sus recursos. En el caso de "Salvajes", una de mis obras, al escenógrafo le sirvió ver mi dibujo para terminar de darle forma a la puesta. En esa ocasión ayudó, pero honestamente no es necesario. El dibujo es algo privado que puede funcionar en lo personal para darle vida y movimiento a los personajes sin pasar por alto que, si la sabemos aprovechar, la locación también nos ayuda a contar, hay que pensar el lugar no solo como un decorado.

Yo les recomiendo que además de leer, vean mucho teatro. Hay una plataforma que se llama Teatrix, que es una especie de Netflix, pero teatral, en donde hay mas de 200 obras para ver on demand, en óptimas condiciones. Hay títulos de varios países y de diferentes géneros. Hay obras super comerciales, medianamente comerciales y del circuito off. Creo que les puede servir muchísimo para afilar la mirada y nutrir conocimientos. Es un amplio abanico de referencias visuales y disfrutables para descubrir. Vale la pena sumergirse. En la diversidad está la riqueza y para escribir teatro, hay que consumir teatro.

Respecto de la puesta en escena, lo ideal es poder ser creativos y escapar de los clichés. El romanticismo no es solo una noche de velas a la luz de la luna. Podemos encontrar nuestra propia versión de una escena romántica sin caer en lo preestablecido. Una comedia puede transcurrir en una estación de servicio o en el baño público de un tren, no hace falta que siempre sean casas y sillones. Aprendamos a corrernos y obligarnos a pensar un poco más.

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Es importante tener personajes ricos (no de dinero sino de prosperidad). Los personajes no siempre necesitan particularidades, pero es genial que las tengan. Se trata de buscar la empatía en sus genes.

En "Romeo y Julieta", Romeo encarna al amante romántico por excelencia, quien es capaz de morir por su amada. Para que tal demostración de amor tenga sentido necesitamos que el joven Montesco tenga ciertas características que van de la mano con sus comportamientos. Es apasionado, impulsivo, impetuoso, atractivo, amante, emotivo, fiel, aventurero y por sobre todas las cosas no tiene miedo a las consecuencias de su actos, lo cual sirve mucho para este cuento porque sin esa característica no habría nada para contar. Frente al destierro, él esta seguro de lugar por su amada y eso convierte a la historia en un suceso digno de contar, porque la rebeldía de estos jóvenes son el eje central de esta obra de teatro.

Junto con Romeo, la otra protagonista de la obra es Julieta, una bella dama, hija de los Capuleto. Enemigos mortales de los Montesco. La joven se enamora y casa en secreto con Romeo y para no ser obligada a casarse posteriormente con el conde Paris, esta dispuesta a enfrentar a su familia con un plan que lamentablemente no surte efecto. Julieta es impulsiva, hermosa, madura, expresiva, decidida, apasionada, impaciente y por sobre todas las cosas es una mujer rebelde, que para la época no era tan común. Estas características se reflejan, con claridad, a lo largo de la obra y son elementos necesarios para que la acción dramática crezca a cada paso. Si ella fuese sumisa y poco lucida, no habría cuento. La historia necesita de su rebeldía, necesita que sea una mujer de armas tomar y con determinación. Por eso, a la hora de moldear a los personajes es necesario tener en claro para que les adjudico cada una de las características y que tan funcional al suceso resulta ser.

Por otra parte, es necesario el accionar del ama de Julieta y el Fray Lorenzo en toda esta historia. Cada uno con sus formas, sus características y posibilidades, ayudan a los jóvenes enamorados a transitar la aventura que los convoca, sin ellos, seria muy difícil que la acción dramática pueda crecer. Son extremadamente funcionales al cuento.

Tengan en cuanta algo muy importante: A los personajes jamás hay que juzgarlos. En todo caso, justificarlos dentro de cada lógica, pero jamás juzgarlos. La moral no debe interferir. Si es un asesino tengo que llevarlo hasta las últimas consecuencias. Mi labor como autor no es avalar su comportamiento sino exponerlo para que el público pueda juzgarlo.

El hecho de juzgar a los personajes arrastra un problema atroz que va directo contra la libertad moral de la ficción. Les comparto el link de una entrevista a Ariana Harwicz, una escritora argentina, radicada en Francia, sobre la corrección política. Está muy bueno leerlo, sobre todo en boca de una mujer tan apasionada y con una visión tan clara. Es super necesario entender este punto de vista para sostener la libertad de expresión de un hecho artístico.

Para tener bueno personajes tenemos que hacernos preguntas claves que nos ayuden a moldear a cada uno de los integrantes de cada historia y así lograr un equilibrio, un abanico de posibilidades y contradicciones. No hay que imponer por capricho sino por necesidad, tenemos que darles características que sean funcionales a lo que queremos contar y, en base a eso, pensar los detalles.

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Este mapa estructural es muy necesario para empezar a escribir una historia. Cuando hablamos de dramaturgia nos referimos a todo esto que estamos diseñando para contener a los personajes que luego ponemos en funcionamiento dentro del cuento o suceso al que vamos a someterlos.

Cada paso que damos con este método sirve para diseñar una historia y puede ser útil, no solo para teatro, sino para cualquier formato en donde se involucre la creatividad y el desarrollo de un suceso como hecho artístico. Cada detalle nutre a la historia, y mientras más volumen tenga la historia, más interesante y entretenida se vuelve para el público. Cuando hablo de volumen, no me refiero a cantidad de cosas, sino a la calidad de cada cosa. Una historia tiene que ser como un alcaucil, tiene que tener varias capaz antes de llegar al corazón.

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Las partes de la trama para diseñar una historia son el inicio, el nudo y el desenlace.

Para pensar en la trama tenemos que tomar la premisa, el género, la idea o plot central y la puesta en escena, y preguntarnos de todo. Debemos armar un cuestionario creativo, acorde a la historia, que no nos obligue a encontrar información relevante para desarrollarla. Es un ejercicio muy profundo y del que vamos a sacar las respuestas para poder avanzar y empezar a desentrañar la acción dramática o conflicto central de nuestra obra.

No hay una lista de preguntas estándar, cada proyecto necesita sus preguntas y parten del trabajo realizado hasta el momento, sobre todo del plot central. El ejercicio es preguntarse todo lo que se pueda y obligarse a responder. La búsqueda de esas respuestas es lo que le dará forma a los acontecimientos de nuestro suceso.

Por ejemplo, en "Romeo y Julieta" tenemos un plot central que dice: "Dos jóvenes enamorados, en la ciudad de Verona, que, a pesar de la oposición de sus familias, rivales entre sí, deciden casarse de forma clandestina para vivir juntos. Sin embargo, la presión de esa rivalidad y una serie de fatalidades impiden que la pareja concrete la relación".

Algunas de las preguntas que yo me haría para socavar información serian:

¿Por que deciden casarse? ¿Qué se vieron? ¿Cómo se vieron? ¿Cómo fue el cruce? ¿Qué paso entre ellos? ¿Tienen otros pretendientes? ¿Cómo se enteran los padres? ¿Se enteran los padres? ¿Por qué existe oposición entre las familias? ¿Quiénes saben del amor entre los jóvenes? ¿Alguien los ayuda? ¿Quienes? ¿Por qué? ¿Cómo impiden que el amor no se concrete? ¿Qué pasa? ¿Quiénes se entrometen entre ellos?, etc, etc, etc.

Es innumerable la cantidad de preguntas que podemos hacer. La sumatoria de respuestas nos dará un abanico muy jugoso de ideas para moldear. Ni hablar si empezamos a indagar, también, en los personajes, en la puesta en escena, etc. Hay que preguntarnos todo de todo. En este punto empieza a germinar todo lo que venimos trabajando.

Las respuestas a estas preguntas nos brindarán mucha información, por eso lo importante es que podamos responderlas con creatividad para alimentar y potenciar la historia. Es decir, para responder ¿Cómo se vieron?, puedo elegir entre contar que se cruzaron en la calle y se chocaron sin querer, o que en una fiesta en donde Romeo se infiltra, aprovechando la impunidad de las mascaras que resguardan sus identidades, se cruzan bailando y sus miradas cautivantes se entrelazan de una forma apasionante y el amor fluye mas allá de todo. Digo, depende mucho del vuelo y la creatividad para responder cada pregunta, el vuelo y la profundidad que tendrá el desarrollo de nuestra historia.

Una vez que respondemos las preguntas de nuestro cuestionario tomamos esa información para elaborar el comienzo, el desarrollo y el final de nuestra obra de teatro teniendo en cuenta la mayor cantidad de vicisitudes posibles para que exprimir al máximo nuestro suceso.

Les dejo un ejemplo del inicio, nudo y desenlace de "Romeo y Julieta" para que puedan visualizar de manera sencilla el desglose de la historia en las tres partes fundamentales de la trama.

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El comienzo es muy importante. A diferencia de lo que sucede en la televisión, por ejemplo, no es necesario ir con tapones de punta, no hay zapping posible, ningún espectador se va a levantar en los primeros minutos de una obra teatral. Es necesario ser conscientes de generar una buena atmósfera, marcar el tono de la obra y presentar a los personajes en poco tiempo.

Soy fanático de que todo tenga que ver con todo, sin adelantar nada. En cine, a veces se cuenta algo desorbitante del final para enganchar al público. En teatro, no es necesario. Muy por el contrario, creo que es muy importante el factor sorpresa; tener recursos creativos para sorprender al público en todo momento de manera ascendente.

Según el tono, el género y el tipo de teatro que estamos escribiendo, el comienzo puede ser de una u otra manera. Lo importante es entender que nosotros, como dramaturgos, tenemos la libertad de comenzar cuando se nos plazca, porque lo importante es que el acontecimiento a desarrollar se entienda.

El final solo tiene que cerrar el conflicto del acontecimiento y nada más. No hay que solucionar la vida de todos los participantes de la historia ni dejar mensajes positivos a la humanidad, no. Solo hay que cerrar el conflicto que, como creadores, le impusimos a la historia. Dependerá de cada autor, de cada obra y de la creatividad al servicio de la historia, que haya finales mejores, regulares o malos, pero finales al fin.

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El plot central es la trama principal a desarrollar. Luego, hay subtramas que funcionan como potencias para que la trama principal tenga volumen y evolucione a cada momento. Por ejemplo, en Romeo y Julieta, el amor entre ellos y cómo se concreta es la trama central; pero para que eso tenga volumen y sentido, evolucione y crezca a cada paso de la obra, necesitamos que el primo de Julieta mate al amigo de Romeo, que Romeo tome venganza a pesar de las consecuencias, que el Fray Lorenzo elabore un plan, que Romeo mate a Teobaldo y sea desterrado… En fin, muchas situaciones y subtramas funcionales a la trama central que hacen crecer el deseo entre Romeo y Julieta.

Para esto es muy importante el siguiente ejercicio.

Primero, tenemos que tener en claro cuáles son los protagonistas que llevan adelante la trama principal, los personajes secundarios y cómo operan en este acontecimiento. Entonces, para los personajes no protagónicos, vamos a escribir en un apartado algunos conflictos secundarios que puedan ser funcionales a la historia. Si tomamos ejemplos anteriores, podemos hablar del establo. La trama central es la estafa intrafamiliar. Tenemos a los personajes protagónicos ligados a la estafa. Hablamos de caballos enfermos, entonces pensamos quién está envenenado a los caballos y por qué, pensamos, atribuimos ese rol y le damos un fundamento acorde a la estafa. Es decir, puede que uno de los familiares envenene a los caballos porque de esa manera lava dinero con los medicamentos y nutre la estafa. O en el caso del asalto a la joyería, uno de los rehenes se encierra en el baño y llama a la policía, en sí genera un conflicto para el protagonista porque lo pone en aprietos sobre la trama central que es escapar con el botín, pero le da entidad y sentido particular a la vida de ese personaje secundario. Incluso, el trabajo está en poder desarrollar en detalle cómo hace para encerrarse en el baño, cómo fue su camino desde que entró el ladrón, que problemas tiene con el celular antes de llamar a la policía, etc… Mientras más desarrollado esté, más voluminosa e interesante se volverá la subtrama; y más potenciará la trama principal.

Lo ideal es pensar varias posibilidades, varios conflictos sobre cada personaje, y elegir los que más encajen en la historia, acomodarlos en una línea de tiempo para saber en qué momento van a explotar y ordenar el nudo de la historia garantizándonos subtramas potentes para que la trama central vaya evolucionando.

Si llegamos hasta acá es porque tenemos el mapa estructural diseñado. Sabemos qué queremos contar, cuál es el género, dónde ocurre, quiénes interactúan, todo. Solo nos queda elaborar la escaleta y largarnos a dialogar.

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La idea de la escaleta es dividir la trama en la cantidad de escenas o momentos necesarios para contar nuestra historia. Es un proceso que ayuda a ordenar la información que venimos trabajando.

Al visualizar todas las escenas, tengan en cuenta que en todas las historias, hay un punto de inflexión. La idea es que todo lo que uno va contando llegue a un punto en el que no haya salida aparente. Luego llega el climax, que es el momento exacto donde la acción se resuelve, es el suceso más importante de la trama. El climax no debe llegar demasiado pronto o demasiado tarde. Si llega demasiado pronto, el final del espectáculo parecerá muy lejano al público, la obra parecerá larga, aunque breve y, por lo tanto, aburrida. Si llega demasiado tarde, el espectáculo parecerá incompleto y el final apresurado (y, por lo tanto, pretencioso). La clave es que aparezca más o menos después de la mitad del texto. Luego viene la implementación y las conclusiones finales.

Les dejo una escaleta armada de "Romeo y Julieta" que sirve como ejemplo.

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Quizás la idea de escribir diálogos los asuste un poco, pero como todo, es puro entrenamiento.

Siempre que escriban, lean los textos en voz alta para estar seguros que suenen bien. Que no sean acartonados, pero que tengan cierta musicalización en las palabras porque no deja de ser un hecho artístico.

No hay que explicar las cosas. No nos conviene subestimar al público porque es mucho más intuitivo de lo que imaginamos.

La duración es un factor fundamental para un texto que pretende ser representado sobre un escenario. Tiene que durar lo justo y necesario.

Cuando se escribe un texto con varios personajes en una escena de teatro, siempre existe el riesgo de olvidar a alguien. Hay que ser conscientes de esto y lograr un equilibrio. Si una escena esta bien ordenada y bien orquestada se gana en ritmo y dinámica.

Hay que tener en cuenta las consecuencias del hecho. Esto sirve para cualquier tipo de guion. Nunca se debe narrar un hecho sino las consecuencias de un hecho. Es decir, en “Romeo y Julieta”, al principio, se habla sobre la rivalidad de las familias, el hecho de que ellos no puedan estar juntos es la consecuencia de esa pelea que los excede. Esta situación se explica al principio y todo comienza desde allí.

Con todo lo explicado, sumando estas pautas ya pueden largarse a escribir sus propias obras de teatro.

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Este libro tiene cuatro obras de mi autoría, incluyendo “Chicos Católicos…” que como les conté en mi presentación, es mi caballito de batalla. De mis textos, el más exitoso. Les dejo una copia digital en formato PDF y un link con la música original. Espero les guste y les sirva de inspiración.

También les comparto un archivo elaborado con los apuntes y borradores de “Chicos Católicos, Apostólicos y romanos” una de las primeras obras que escribí. Es un material que sirve para comparar el mapa (la idea inicial) con la versión publicada en mi libro. Si pueden y tienen la posibilidad, sin compromiso, vean la obra filmada en TEATRIX. Es un buen ejercicio para comparar el texto escrito con la obra montada en un escenario. Se puede comprender un poco más sobre el proceso de montaje y materialización final de una idea.

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Si les sirvió este curso y lograron escribir una obra de teatro, háganmelo saber. Me enorgullece poder compartir mi método e invitarlos a que creen el de ustedes. No se olviden de registrar lo que escriben en la asociación de autores o en el registro nacional de obras, según corresponda. Es fundamental proteger nuestras ideas y estar cubiertos legalmente.

¡Gracias por confiar y hasta la vista!

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